Wir präsentieren als Quickie-Extra diesen Herbst eine Fortsetzung unserer Doppelkonzerte. Im Oktober starten wir wieder mit bekannten und neuen Gesichtern auf der großartigen Bühne des Theatersaals Ybbsstraße. Phantastische Künstlerinnen und Künstler gestalten diesen Abend der fulminanten Sonderklasse.

Elegant, verführerisch, mit einem Hauch von Glamour und Verruchtheit, stets verbunden mit dem feinen Humor, der diese andere, erträgliche Sicht auf die Welt vermittelt. Voll schalkhafter Melancholie beschwört Lisa Berg mit ihrer berührenden, strahlenden Chansonstimme Alltagstragödien, Frühlingsidyllen und Rauschzustände. Die heimliche Königin des deutschen Chansons steht in einer langen Tradition grosser Namen wie Edith Piaf, Paul Burkhard oder Georg Kreisler. Sie alle haben bei ihr ihre unverkennbaren Spuren hinterlassen, insbesondere auch ihre Mentorin Topsy Küppers.                                Foto/Titelbild: Judith Stehlik

Am Klavier begleitet sie ihr kongenialer Partner und Songschreiber David Ruosch, einer der gefragtesten Jazz- und Bluespianisten der Schweiz, Dozent an der Zürcher Hochschule der Künste und Lieblingspianist des Wiener Liedermachers Norbert Schneider. Auf der Geige erleben wir Maria Patera. In ihrem Spiel verbindet die Wienerin virtuose Violin-Eleganz mit Improvisation und der Gelassenheit des Jazz.

lisaberg.ch

Engelhafter Gesang/skurriles (Song)Writing: Katharina Aigner (aignartig)

Obszöne Gitarre/gellender Gesang/pikantes Songwriting: Kurt Thomas Bauer

Knackiges Klavier/Schelmischer Soundtüftler: Felix David Read

Knallende Percussion: Betty Sosterics 

Unsere Lyrics auf Deutsch und Englisch bewegen sich in humoresk-absurden Sphären: von entjungferten Meerjungfrauen, über an Anatidaephobie leidenden oder schizophrenen Protagonisten, die auch vor Morden an der eignen Mutter nicht zurückschrecken, bis hin zu vulgären Liebesliedern.

Musikalisch bieten wir einen demokratischen Genremix aus Rock, Blues, Moritat, Chanson, Punk, Wiener Lied, Latin und und anderen akustischen Abnormitäten.

Unsere Musik hat Power und ist für alle Menschen in jedem Rahmen hörbar. Mit Leichtigkeit, Spielfreude und unserem gemeinsamen Flow verwöhnen wir eure Ohren. Dynamisch und kraftvoll, bitte!

aignartig.com

Den musikalischen Abend der feinen Klasse wird von WernA freudig eröffnet.

WernA macht Musik im Dialekt, meistens begleitet von seiner Gitarre und manchmal auch gemeinsam mit befreundeten Musikern oder aber auch mit elektronischen Hilfsmitteln. 

Die Musik ist oft novembergrau und nachdenklich, manchmal leicht und kraftvoll, aber immer mit Leidenschaft und viel Gefühl erfüllt.

In seiner Musik finden sich Bilder des Lebens, Erfahrungen des Alltags sowie Phantasien und Träume. Neben Eigenkompositionen bedient er sich auch der Musik von aktuellen Pop- und Rock-Liedern und macht sie mit wienerischen Texten doch wieder zu etwas ganz Eigenem.

„Had Mother Nature been a real parent, she would have been in jail for child abuse and murder.“
Nick Bostrom

Eine verschwundene Biohackerin. Ein undurchsichtiges Spiel, quer durch das Reindorfgassenviertel. Drei Freund*innen, die sich immer mehr bewusst werden, dass die Person, die sie kannten, nicht mehr dieselbe ist. Und eine Entdeckung, die unsere Gesellschaft für immer verändern könnte: Eine Lebenserwartung von 160 Jahren - Bleibt es Theorie oder darf es Realität werden?
Homo Infinitus ist ein partizipatives Game Theater, bei dem die Zukunft buchstäblich auf dem Spiel steht. In einer Mischung aus Adventure Game und immersivem Theater können und dürfen die Teilnehmer*innen rätseln und diskutieren, um eine kontroverse Frage der nahen Zukunft zu beantworten: Wie lange soll ein Mensch leben?

Konzeption, Regie, Produktion: Leonora Peuerböck, Lino Kleingarn
Mitarbeit: Susanna Herman, Benjamin Urwalek
Performance: Yves Jambo, Lena Johanna Hödl, Georg Müller-Angerer, Sarah Neichl
Wissenschaftliche Betreuung: Matthew Robinson (Institute of Science and Technology Austria)
Technik: Daniel Saravia
Sound: Fabian Zeiner

Di 14.9.: 19:30 Uhr
Mi 15.9.: 19:30 Uhr
Do 16.9.: 19:30 Uhr
Freitag 17.9.: 17:00 Uhr und 20:00 Uhr
Startpunkt: Kirchplatz (Reindorfgasse 21), 1150 Wien

Tickets:
http://kueken.kupfticket.at
Es gelten 3G (geimpft, getestet, genesen).

Das Stück wandert im Oktober/November an Schulen in Niederösterreich. Vorstellungen können ab September via Mail gebucht werden.
Weitere Infos unter www.küken.at

WORKSHOPLEITUNG: Géza Terner
DATUM: Sonntag 3. Oktober 2021, 10 Uhr
ORT: Theatersaal Ybbsstrasse 15, 1020 Wien

Géza Terner ist halb Österreicher, halb Franzose, aufgewachsen in Österreich, Portugal und Frankreich. Studierte an der Schauspielschule Prof. Krauss in Wien. Zugleich schrieb er schon erste Kabarettprogramme und gewann mit seinem Ensemble „Bakschisch“ den „Grazer Kleinkunstpanther“, den „Kärntner Kleinkunstdrachen“ und das „Passauer Scharfrichterbeil“. Es folgten Gastauftritte bei Josef Hader, in der Comedy-Serie „Novotny & Maroudy“ und als Majordomus in „Marie Bonaparte“ mit Catherine Deneuve. Parallel zu seinen Engagements gründete Géza Terner das Theaterensemble „Theater im Wohnzimmer“ mit Manuel Rubey mit über 300 Auftritten in privaten Wohnzimmern (www.theaterimwohnzimmer.at). Viele Jahre war Géza Terner auch Ensemblemitglied des Salzburger Straßentheaters unter der Leitung von Prof. Klaus Gmeiner und Georg Clementi. Er lebt und arbeitet in Österreich. Siehe auch www.gezaterner.at

Der Workshop wird sich um die Kunst des energetisch aufgelandenen Improvisationstheaters drehen.
Genieße vier Stunden spontane und kreative Improkunst und melde dich an unter proplay@stuthe.com.

Im Rahmen der Workshopreihe "3x4" organisiert die STUTHE für seine Mitglieder und die, die es noch werden wollen, hochkarätig besetzte Workshops mit erlesenen Profis in den Monaten August bis Oktober 2021. Sie dauern jeweils konzentrierte 4 Stunden und können einzeln oder auch im Paket gebucht werden. Sponsored by "4 Minuten - Geschichte, Kunst & Kultur (Youtube)".

Bei Nichtteilnahme können wir leider grundsätzlich keine Kosten zurückerstatten.
Wenn du schon einige Zeit vor der Veranstaltung weißt, dass du nicht teilnehmen kannst, gib uns bitte Bescheid, um eventuell deinen Workshop-Platz an eine Person auf der Warteliste abzugeben.

Bei weniger als sechs Anmeldungen für diesen Workshop wird dieser verschoben. Du wirst in diesem Fall spätestens drei Tage vor Beginn der Veranstaltung darüber per E-Mail verständigt. Deine verbindliche Anmeldung erhält dabei ihre Gültigkeit für den Ersatztermin. Falls du keine Möglichkeit hast, den Ersatztermin wahrzunehmen, wird dir dein überwiesener Betrag rückersattet.

Du bist kein Mitglied? Kein Problem:

Nicht-Mitglieder zahlen für den ersten Workshop nur einmal € 20,- zusätzlich.
Dieser Betrag entspricht dem STUTHE Mitgliedsbeitrag für das Geschäftsjahr 2021/2022. Du erhältst mit deiner Teilnahme eine STUTHE-Mitgliedschaft für ein Jahr.

Ca. 23 Personen.

Banner, Plakat und Flyer zum Download.

WORKSHOPLEITUNG: Dunja Sowinetz
DATUM: Sonntag 22. August 2021, 11 Uhr
ORT: Theatersaal Ybbsstrasse 15, 1020 Wien

Dunja Sowinetz absolvierte ihre Schauspielausbildung an der Schauspielschule Krauss. Seit der Saison 1985/86 ist sie festes Ensemblemitglied am Wiener Burgtheater. Dunja Sowinetz stand auch bei zahlreichen Festspielen auf der Bühne, u. a. bei den Salzburger Festspielen und den Festspielen Reichenau. Sie ist in zahlreichen Film- und Fernsehproduktionen zu sehen, u. a. in Ulrich Seidls Film Paradies: Liebe. Für das Metropol bearbeitete Dunja Sowinetz High Society für die Bühne und übersetzte Guys and Dolls für die Metropole-Produktion Strizzis und Mizzis ins Wienerische. Sie textet eigene Songs und Übersetzungen für das Burgtheater und steht mit eigenen Programmen auf der Bühne. Siehe auch www.austria-forum.org/af/AustriaWiki/Dunja_Sowinetz.

Tauche ein in die vielfältige Schauspielwelt - melde dich an unter proplay@stuthe.com.

Im Rahmen der Workshopreihe "3x4" organisiert die STUTHE für seine Mitglieder und die, die es noch werden wollen, hochkarätig besetzte Workshops mit erlesenen Profis in den Monaten August bis Oktober 2021. Sie dauern jeweils konzentrierte 4 Stunden und können einzeln oder auch im Paket gebucht werden. Sponsored by "4 Minuten - Geschichte, Kunst & Kultur (Youtube)".

Bei Nichtteilnahme können wir leider grundsätzlich keine Kosten zurückerstatten.
Wenn du schon einige Zeit vor der Veranstaltung weißt, dass du nicht teilnehmen kannst, gib uns bitte Bescheid, um eventuell deinen Workshop-Platz an eine Person auf der Warteliste abzugeben.

Bei weniger als sechs Anmeldungen für diesen Workshop wird dieser verschoben. Du wirst in diesem Fall spätestens drei Tage vor Beginn der Veranstaltung darüber per E-Mail verständigt. Deine verbindliche Anmeldung erhält dabei ihre Gültigkeit für den Ersatztermin. Falls du keine Möglichkeit hast, den Ersatztermin wahrzunehmen, wird dir dein überwiesener Betrag rückersattet.

Du bist kein Mitglied? Kein Problem:

Nicht-Mitglieder zahlen für den ersten Workshop nur einmal € 20,- zusätzlich.
Dieser Betrag entspricht dem STUTHE Mitgliedsbeitrag für das Geschäftsjahr 2021/2022. Du erhältst mit deiner Teilnahme eine STUTHE-Mitgliedschaft für ein Jahr.

Ca. 20 Personen.

Banner, Plakat und Flyer zum Download.

ACHTUNG: Aufgrund der auktuellen Situation müssen die weiteren Vorstellungen der Produktion leider abgesagt werden. Aber es gibt eine online Lösung für euch! Details findet ihr --> hier.

Ein Forscherteam ist auf einer Expedition, um in einer entlegenen Gegend nach einem seltenen Zwitterwesen, einem Blutegel, Ausschau zu halten. Während der Suche nach dem Blutsauger in der dunklen, verwinkelten Höhle kommt es zwischen den Anwesenden zu Reibereien, die mitunter auf stereotypen Geschlechterzuschreibungen basieren und zur Eskalation führen. Trotz der Unstimmigkeiten müssen die Forscher*innen einen Weg finden, um gemeinsam die Höhle wieder zu verlassen und in Freiheit zu gelangen.
Höhlenbrüter schafft es, nicht mit dem Finger zu zeigen, sondern stattdessen, die Dynamiken zwischen den Geschlechtern und vor allem den vorherrschenden Geschlechterrollen zu demonstrieren.

Stücktext: Tara Meister
Regie: Miriam Ohlmeyer & Silvius Sonvilla
Musik: Potathos. Musikkonzeption und -produktion

Wann: 06. + 07. März 2020 jeweils ab 19:30
Theater Arche (Münzwardeingasse 2A, 1060 Wien)

sowie:
24., 25., 26., 29. und 30. April sowie am 01. Mai
Galerie Die Schöne (Kuffnergasse 7, 1160 Wien)

Tickets: über die TICKET GRETCHEN App

Eine Wiener Spielwut Produktion in Kooperation mit der STUTHE.

Es dämmert. An einem Pizzastand irgendwo in Wien treffen sechs Personen aufeinander. Scheinbar zufällig und doch irgendwie seltsam. Sind sie dort überhaupt richtig?
In "Platzbedarf" entsteht ein Zusammenspiel von Momentaufnahmen, die alle der Frage nachgehen:
Wer oder was fühlt sich wann wie fehl am Platz?
In einem kollektiv erarbeiteten Theaterstück nähert sich die neu gegründete Theatergruppe [leerzeichen] dem Begriff der Deplatziertheit. Keine Hirarchien. Lediglich durch Sprache, Norm, Spiel, Wirklichkeit, Absurdität und Drehmoment enstandene Abbilder einer Realität.
Und vorab: Es geht nicht um die Pizza.

3. und 4. Juli 2019
19 Uhr
Spektakel, Hamburgerstraße 14, 1050 Wien

'Viewpoints is an open process rather than a closed methodology' Anne Bogart and Tina Landau, 2005.

Es ist ein Performance training, das jedem - nicht nur BühnenkünstlerInnen - Werkzeuge an die Hand gibt, sich in Raum und Zeit mit vollster Aufmerksamkeit des Körpers zu bewegen. Es geht um Achtsamkeit in Raum und Zeit. Es geht ums Erforschen aller Möglichkeiten, an die man jetzt nicht mal denken würde. Was kann man mit und in der Zeit machen? Was kann man mit und in dem Raum machen? Was kann man mit seinem Körper machen?

Es gibt 9 Viewpoints zu untersuchen: Tempo. Dauer. Kinästhetische Antwort. Wiederholung. Form. Gestus. Architektur. Räumliche Beziehungen. Topographie.

In diesem 4-stündigen Workshop werden wir all unseren Fokus auf diese 9 Viewpoints ziehen. Wir werden unseren Horizont erweitern. Wir werden unterschiedliche Techniken anweden von Yoga zu speziellen Spielen um uns körperlich und gedanklich aufzuwärmen. Wir werden improvisieren. agieren & reagieren. dehnen. springen. formen. wiederholen. sehen. bewegen. unseren Instinkten folgen. versuchen. lernen und eine schöne Zeit haben! 

Samstag, 29.07. von 10 - 14 Uhr im Spektakel.

Workshop für 15 TeilnehmerInnen
35€ pro Person
ANMELDUNG ÜBER FACEBOOK-MESSENGER (XPA), wenn ihr sicher kommen wollt.
Auf Englisch und/oder Deutsch, je nach TeilnehmerInnen.

STUTHE SPECIAL: STUTHE Mitglieder bekommen 10€ Rabatt. Übrigens bekommen STUTHE Mitglieder auch noch auf ganz viele andere Events Rabatt. Falls du Interesse hast, Mitglied zu werden, schreib uns eine Nachricht.

Über mich:
Ich heiße Laura. Ich komme aus Hamburg und studiere Theater an der Universität Wien. Ich habe die letzten 5 Jahre als Regieassistentin in Deutschland, Österreich und der Schweiz gearbeitet. Ich bin im Vorstand des Studierenden Theaters Wien -> fb.com/diestuthe und inszeniere selbst mit Nordlicht Theater -> fb.com/nordlichtheater . Ich habe bereits einige Workshops geleitet. Aber das Viewpoints Konzept habe ich erst letztes Jahr, als ich an der Monash Academy of Performing Arts in Melbourne, Australia studiert habe, kennengelernt. Jetzt würd ich gern diese Praxis hier in Wien weitertragen. 

Mehr Infos zu Viewpoints:
https://en.wikipedia.org/wiki/Viewpoints

STUTHE-Co Produktion I war so gearn a Rehpinscha

Von und mit Kurt Raubal, präsentiert von den Bogoljubow Prudskis, ist ein Solotheaterstück über Grenzgänger.

Episodengeschichten stellen Opfer- und Tätergeschichten aus der Wiener Vorstadt vor. Schwarzer Humor und Gesellschaftskritik ziehen sich durch Themen wie Berufswelt, Arbeitslosigkeit, Fremdenfeindlichkeit und allerlei Beziehungen. In Prosa, Drama und Lyrik springt Kurt Raubal durch die Bandbreite von Milieustudien aus Wien.

Kartenreservierung // stephanie.gruenberger@stg.jetzt

24./25. Juni und 01./02. Juli 2016 jeweils um 19:30Uhr im Off-Theater.

Eine mysteriöse Einladung führt zehn Leute auf einer abgelegen Insel zusammen. Doch irgendetwas stimmt nicht. Wieso lässt sich der Gastgeber nicht blicken und kommuniziert nur über einen Plattenspieler? Was verbindet all die Leute hier auf der Insel? Und wieso wird einer nach dem anderen umgebracht?

Vorstellungstermine:
Fr, 24.06.2016 – 19.30Uhr
Sa, 25.06.2016 – 19.30Uhr
Fr, 01.07.2016 – 19:30 Uhr
Sa, 02.07.2016 – 19:30 Uhr

Hier geht's zur Veranstaltung auf Facebook.

Eintritt: 15€/10€ ermäßigt
Kartenreservierungen unter fuereinandtheater@hotmail.com

Es spielen: Karina Würleitner, Carolin Wolter, Melanie Frauendienst, Lukas Pflanzer, Leonora Peuerböck, Tim Paetz, Dagmar Olszewski, Konstantin Kuzmanovski, Aphiwut Thongmusit, Vera Puhalo, Caroline Wedam, Hannah Reiserer

Regie, Produktion: Hannes Hierzegger
Produktionsassistenz: Lynn Abel
Fotos: Isabella Nwaoko

Kennt ihr das Gefühl, wenn sich etwas sehr weiches an eure Haut anschmiegt und dann geht plötzlich das Licht an und 6 Personen stehen auf der Bühne. Naja, so oder so ähnlich könnt ihr euch die neue fixe Improgruppe der STUTHE vorstellen, nur vielleicht mit noch mehr sex appeal. We proudly present Kaschmir!

Die erste Vorstellung im Feinwaschgang, findet am 31. Mai statt und wir hoffen ihr erscheint zahlreich!

Dienstag, 31. Mai
Einlass: 19:30
Beginn: 20:00
Erich Fried Realgymnasium (Festsaal)
Glasergasse 25, 1090 Wien

Eintritt: €9 / €7

Hier geht's zur Facebook-Veranstaltung.

26./27./28. Mai und 5./6./7. Juni 2016 um 20:00
Theater Brett, Münzwardeingasse 2, 1060 Wien.

„Vielleicht sind wir es nach allem, die gerettet werden müssen. Vielleicht sind wir die Anormalen.“

Ein Nashorn rast durch die Stadt. Ein zweites. Viele. Sie scheinen sich in Windeseile zu vermehren. Doch als Behringer herausfindet, dass es nicht ausgebrochene Tiere aus dem Zoo, sondern dass es die Menschen der Stadt selbst sind, die sich zu Nashörnern verwandeln, versucht er im Strudel der Ereignisse Halt zu finden. Was bedeutet diese Veränderung der Gesellschaft? Und wie steht er dazu?

Eugène Ionescos Theaterstück Die Nashörner, das 1959 veröffentlicht wurde, stellt in Form des Absurden Theaters Fragen nach Menschlichkeit, Toleranz und Angst. Was sich damals explizit auf den Nationalsozialismus bezogen hat, lässt sich heut durch die abstrakte Metapher der Nashörner neu auslegen bezogen auf Bewegungen, die derzeit das behütete Europa erschüttern und uns vor die gleichen Fragen stellen.

Nordlicht Theater auf Facebook 
Hier geht's zur Facebook-Veranstaltung.

Eintritt: 10€, ermäßigt 6€, STUTHE-Mitglieder 5€

Reservierung: nordlichttheater@gmx.at

Es spielen: Florian Matzka, Eva Liedauer, Joscha Steubing, Maximilian Schwarz, Caroline Bass, Helena Klauss, Sven Limprecht, Bernhard Kobler

Regie: Laura Tontsch
Bühne: Cosima Baum
Produktion: Sabrina Gaudlitz
Produktionsassistenz: Sara Trawöger
PR: Wiebke Müller, Julia Notter
Technik: Daniel Saravia

! Karten, die nicht bis 14.30 (am 12.3.) bzw bis 19.30 abgeholt werden, werden an Gäste der Abendkasse verteilt !

Premierenparty am 10.3. im Anschluss zur Veranstaltung im Klub GRU, 1090 Wien (Friedensbrücke).

Panoptischau präsentiert eine Theater­produktion von Schülern und Studenten nach Charles Dickens´ „Eine Weihnachtsgeschichte“

Ebenezer Scrooge, ein geiziger Geschäftsmann, der sich nicht für die Menschen sondern nur für seinen Profit interessiert, erlebt die geistreichste Nacht seines Lebens. Gleich mehrere Geister suchen ihn auf und entführen ihn in unterschiedliche Zeiten und alle kommen sie mit der gleichen Botschaft: Er muss sein Leben ändern.

Folgende Vorstellungen freuen sich auf euren Besuch:

29. November 2015 Beginn der Vorstellung: 19Uhr Ort: come2gether Jugendzentrum, Baumgasse 75, 1030 Wien – Premiere mit anschließender Premierenfeier!!

11. Dezember 2015 Beginn der Vorstellung: 19Uhr Ort: come2gether Jugendzentrum, Baumgasse 75, 1030 Wien

12. Dezember 2015 Beginn der Vorstellung: 19Uhr Ort: come2gether Jugendzentrum, Baumgasse 75, 1030 Wien

18. Dezember 2015 Beginn der Vorstellung: 19Uhr Ort: Volkshochschule Stöbergasse, Stöbergasse 11-15, 1050 Wien

Kartenreservierung bitte mit Name, Vorstellungstermin und Kartenanzahl an tickets.panoptischau@gmail.com.

Bitte Name, Anzahl der Karten und Vorstellungsdatum angeben. Die Karten werden, bis 20 Minuten vor der Vorstellung, an der Abendkasse hinterlegt und können dort bezahlt werden. 

Kartenpreise: 8€/5€ erm./4€ Stuthe

Für Schülergruppen gibt es Sonderpreise. Bitte wenden Sie sich per Email an uns, um Informationen zu erhalten.

we flatter. we tease. we make up stories. we post. we update our status. we tweet and chat. we aspire. we hope. we are deceived. we want to be understood! come and see these Smiths and these Martins, or whatever their names are, fight the absurd battle of human communication. can it be won?

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Shows on 11th and 12th September
Musisches Zentrum (Zeltgasse 7, 1080 Wien)
Bar opens 18:00
Performances start at 19:00 (duration approx.1h)
Free/Donation

Reserve your seats by mail: baldsoprano@web.de
or visit us on facebook:https://www.facebook.com/meetthesoprano

11.-14. Juni im Theater Brett
Georg Büchners „Leonce und Lena“ erzählt eine Geschichte über zwei Seelen, die versuchen gegen den Strom zu schwimmen. Und doch erkennen sie am Ende, dass sie trotz aller Bemühungen und Rebellion stets dem Strom gefolgt sind. Ausgestattet mit großartiger und herausfordernder Wortakrobatik sollte das Stück schon zu Zeiten Büchners eine scharfe Kritik gegen die Politik darstellen. Und auch in unserer Nordlicht Produktion werden wir diese an den Pranger stellen. Die Kernfrage “Entscheiden wir selber oder wird über uns entschieden?” stellen sich nicht nur Leonce und Lena im Stück, das Team wird sich auch privat mit diesen Fragen beschäftigen.

Gemeinsam mit unserem Support Viva con Agua Wien werden wir versuchen nachzudenken, umzudenken, bewusster zu handeln und Menschen zu bewegen, es uns gleich zu tun.

Nordlicht Theater wird daher auf neue Produkte verzichten und alles selber aus Second Hand Gegenständen und Klamotten bauen, schneidern und basteln. Die Einnahmen werden an NGOs wie unseren Support Viva Con Agua aber auch an lokale Initiativen gespendet, die nachhaltiges, umweltbewusstes Handeln vertreten und repräsentieren.

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11.-14. Juni
20 Uhr
Theater Brett

„8 FRAUEN“ – Eine Kriminalkomödie von Robert Thomas
Frankreich in den 50er Jahren. In einer idyllischen, abgelegenen Villa treffen sich die Mitglieder einer Familie, um die Osterfeiertage gemeinsam zu verbringen. Doch da passiert das Unfassbare – das Hausmädchen entdeckt den Hausherren ermordet im Bett. Schnell wird klar: Nur eine der anwesenden Frauen kann die Mörderin sein. Alle haben ein Motiv und jede ihr dunkles Geheimnis. Aber welche der Frauen war zu dieser Tat fähig? 


Kartenreservierung unter:
larissa.dekoekkoek@gmail.com

4 Shakespearestücke. Drama, Witz und immer die große Liebe. 41 junge, begeisterte Menschen, die Theater machen wollen. Die zweite Runde SHAKESPEARE CRASHKURS! Wir laden euch ein noch einmal in die schillernde Welt von William E. Shakespeare einzutauchen und möchten euch diesmal „Macbeth“, „Die widerspenstige Zähmung“, „Ende gut Alles gut“ und „Was ihr wollt“ in verkürzter Fassung vorstellen! Mit großartiger musikalischer Unterstützung, kreativen Lichtspiel und Bühnendekoration wird dies ein wundervoller Abend der Kunst.

Sir Andrew: „Ich bin ein echt komischer Typ. Manchmal möchte ich einfach nur Theaterstücke sehen und tanzen gehen.“ (Was ihr wollt)

Lucentio: „Bis ich’s an mir selbst erfahren, Hielt ich es nie für möglich. (..) ich schmacht’, ich brenn’, ich sterbe“ (Die widerspenstige Zähmung)

König: „Mir scheint, es spricht aus dir ein seliger Geist, Ist nur der Kunst, wo nicht dem Wahnsinn eigen“ (Ende gut alles gut)

Hexe: „Juckend sagt mein Daumen mir, etwas Zauberhaftes naht sich hier.“ (Macbeth)

Karten online reservierbar per Nachricht an facebook.com/shakespearecrashkurs

Der ganz normale Bürowahnsinn– fünf Angestellte, am Beginn ihrer beruflichen Laufbahn stehend, warten im Vorzimmer des Chefs, um mit ihm ein Gespräch zu führen.
Während des unerträglichen Wartens werden nicht nur eine Unmenge an Kaffee getrunken, Watschn verteilt und Seelenstriptease hingelegt, sondern dem Zuckerschock nahe, auch Kindheitstraumata aufgearbeitet und sexuelle Wünsche formuliert.
Jeder einzelne glaubt von sich, genug Rückgrat zu besitzen, um dem Vorgesetzen auf Augenhöhe entgegentreten zu können und auch mal „Nein“ zu sagen.

Doch wie trainiert man am besten sein Rückgrat?

Mit Gymnastikbällen und Yogamatten wird zumindest versucht, wenn schon nicht die innere Haltung, dann zumindest die äußere zu bewahren oder auch erst zu bekommen. Doch das harte Bandscheibentraining stellt die fünf Angestellten unter ungeahnte Herausforderungen…

Eine Produktion der STUTHE.
Weitere Infos: www.facebook.com/bandscheibenvorfall.wien

Premier date: 14th May 2014

I Sing The Body Electric is a music theatre piece which celebrates the velocity of life and death. It follows our protagonist from birth to death, with the energy and spirit of  life grasped, grappled with and victoriously lived from birth til the end, in whatever way that may mean. I Sing The Body Electric is a musically improvised music theatre piece, in association with SNIM (the Spontaneous Network for Improvised Music) and Stuthe. Written and directed by Claire Blake, with music direction by Hannes Dufek. It will premier in May 2014 at Moë, Vienna and will travel to London in August 2014, to be part of a festival.

MAY 14th, 18th & 24th
20:00
Moë (Thelemangasse 4/1-3)
1170 Wien
8€/13€

i. s.i.n.g. t.h.e. b.o.d.y. e.l.e.c.t.r.i.c. auf Facebook
http://istbemusiktheater.wordpress.com/2014/04/17/20/

Written and Directed by
Claire Blake

Crew

Adapted text from Charles Bukowski – Claire Blake

Musical Direction – Hannes Dufek

Technical Direction – Stephan Werner

Assistant Director – Steffi Günther

Costume Design – Claire Blake

Props and Set – Claire Blake, Steffi Günther and Katrin Hupf

Lighting Design – Stephan Werner

Projection Filming and Design – Jan Müller

Technicians – Martin Bogisch, Daniel Saravia and Marcus Saravia

Stuthe Support – Soeren Frithjof Keup, Sabrina Bühn

Sound Design – Michael Zacherl

In collaboration with Spontanes Netzwerk für improvisierte Musik (snim)

Musicians

Piano - Manon Bancsich

Toy Piano - Gloria Damijan

Recorder - Gobi Drab

Cello - Réka Kutas

Electric Guitar - Lukas Thöni

Live Electronics - Michael Zacherl

Cast

A – Werner Kitzmüller

The Soul – Jonas Bente

E – Christina Schrerrer

Woman in Projection – Sophie Prusa

Chorus

Michaela Hinterleitner

Sabine Huber

Andrea Jünger

Isabella Schwerer

Maria Trimmel

Simon Usaty

A Stuthe Production

Aufführungen noch 2., 3. & 4. Mai!

Aufgeführt werden einige ausgewählte Stücke von William Shakespeare: Othello, Romeo und Julia, Viel Lärm um Nichts und Sommernachtstraum. Diese wurden auf die wichtigsten Schlüsselszenen gekürzt und werden von einem Erzähler sowie verschiedenen MusikerInnen (Geige, Klavier, Sängerin, Harfe, Gitarre, Geige) vervollständigt. Im Hintergrund agieren zudem einige Studierende im Bereich Organisation, Dramaturgie und Stage Management.  Der ganze Abend soll ein ’’Crashkurs’’ für Shakespeare Unwissende, Shakespeare LiebhaberInnen und die, die es noch werden wollen, sein. Außerdem wird auf die Aktualität der verschiedenen Themen in Shakespeares Stücken in der heutigen Zeit hingewiesen.

Sommernachtstraum spiegelt die auftretenden Konflikte der Liebe wider, vor allem daraus resultierende Unsicherheit der Betroffenen und das Spiel, das die Liebe umrankt und auch heute ein wichtiges Element in den zwischenmenschlichen Beziehungen ist. Außerdem thematisiert der Sommernachtstraum den Schmerz, den man erfahren muss, wenn eine Person aus dem engen Umfeld in den gleichen Menschen verliebt ist und wie man am Ende trotz aller Schwierigkeiten, die richtige Person findet.

Othello dagegen zeigt einen anderen Aspekt der Liebe, um einiges düsterer und bedrohender. Es handelt von der Eifersucht und wie sie einen Menschen komplett irrational machen kann. Dies kann wie auch im Stück, im realen Leben zum Tod führen. Auch die Andersartigkeit Othellos ist ein elementarer Bestandteil in Shakespeares Stück und hat natürlich eine besondere Aktualität in der heutigen Zeit, in der Multikulturalität immer prominenter wird. Dafür haben wir einen Schauspieler einer anderen Kultur und anderen Sprache um auf die Integration und Interkulturalität hinzuweisen.

Viel Lärm um Nichts symbolisiert den Stolz vieler Individuen, der der Liebe oft im Weg steht. Zusätzlich geht es um den Verlust des Vertrauens und wie zwei unterschiedliche Frauencharaktere ( schwach/stark) mit Vertrauensverlust und Betrug umgehen.

Romeo und Julia wird oft als die schönste Liebesgeschichte betitelt, vielleicht weil für viele diese leidenschaftliche, ungestüme Liebe, die Romeo und Julia verbindet, ein mysteriöses Rätsel ist. Wie diese Leidenschaft und tiefe Liebe entstehen konnte, wollen wir besonders aufzeigen, um den daraus resultierenden Tod nachvollziehbar zu machen. Ein anderes wichtiges Thema in Romeo und Julia wäre auch die Feindschaften beider Familien, eine Feindschaft, die sich im heutigen Zeitalter oft in Bandenkriegen oder Konflikten verschiedener Kulturkreisen wiederfinden lässt.

Premiere: 30. April 2014

Weitere Vorstellungen: 1., 2., 3., und 4. Mai 2014

Shakespeare Crashkurs auf Facebook

Wir wissen, was wir nicht wollen. Was wir wollen, wissen wir nicht.

Das Schicksal unserer Generation scheint die ständige Suche nach einem Sinn in einer immer unüberschaubarer werdenden Welt zu sein. Wir arbeiten, studieren, meditieren und schonen die Umwelt, im festen Glauben, das Glück sei in greifbarer Nähe und es liege nur in unserem eigenen Ermessen, es endlich zu ergreifen.

Wir hinterfragen alles, wir fühlen uns kritisch und es bereitet uns Freude, dass wir den anderen die Erkenntnis voraus haben, dass in der Welt doch alles nur von Geld und geschicktem Marketing abhängt. Wir wissen, was wir nicht wollen. Was wir wollen, wissen wir nicht. Aber wir wollen noch was. Man sucht nach Sicherheit, nach dem Beständigen, nach dem Ausweg aus der Überforderung, die zum Lebensgefühl geworden ist. Erfolg scheint das Mittel der Wahl zu sein. Wer scheitert, wem plötzlich klar wird, dass diese Sicherheit nur eine Illusion war, der verliert die Orientierung, verliert den Halt - und muss sich selbst neu erfinden.

„Und die Liebe höret nimmer auf.“ Oder eben doch. Und dann sitzt man da und fragt sich, wo denn eigentlich die Ideale hin sind, die doch immer da waren, in einem Winkel der Seele. Da war doch was, oder? Was bleibt, wenn die Beziehung scheitert?

Das Scheitern hat in Horvaths Stück jeden Glanz verloren, die Figuren sind weder verkannt noch verhindert, sie ertränken ihre Einsamkeit in Ablenkung und reichlich Alkohol, sind permanent überfordert, hetzen orientierungslos von Vergnügen zu Vergnügen, versuchen, das Glück am Schopf zu packen und stehen am Ende mit leeren Händen da. Doch die Sehnsucht bleibt und wird zur treibenden Kraft.
„Es geht immer besser. Immer besser.“

facebook.com/kasimirkaroline

Ein Pilot, der den Job gratis macht, weil er so gerne die Pilotenmütze tragen möchte. Ein Co-Pilot, der für diese Position maximal überqualifiziert ist und das bei jeder Gelegenheit allen unter die Nase reibt. Eine Chefin, deren ganzer Besitz dieses eine kleine Flugzeug ist. Ihr Sohn, der Flugbegleiter, der keine Ahnung hat, wie irgendwas funktioniert, aber alles immer mit voller Begeisterung angeht.

Das ist die Besatzung der kleinsten Fluggesellschaft der Welt, MJN Air, und es sind die Hauptfiguren der Geschichte von „Cabin Pressure“. In einem live auf der Bühne produzierten Hörspiel kommen sie alle zu Wort, ebenso der aktuelle Fluggast, nämlich die Kärntner Wasserballnationalmannschaft. Auf der Bühne entstehen live Soundeffekte, und das Publikum wird eingeladen, in Gastrollen einzuspringen. Gemeinsam produzieren wir die Geschichte einer Flugreise nach Douz und zurück!

Cabin Pressure: Douz

Live-Hörspiel nach der beliebten BBC-Serie
von und mit HandlungsArm (Catharina Kleber, Lino Kleingarn, Robert Koukal, Martin Kröß, Kostas Papageorgiou und Martin Thomas Pesl)

Wasserturm Favoriten, 1100 Wien
Donnerstag, 18. Juli 2024, 18:30 bis 19:30 Uhr
beim Kultursommer Wien 2024
Eintritt frei – keine Reservierung oder Voranmeldung nötig!

Julian Assange, Investigativjournalist, Politaktivist und Gründer sowie Sprecher der Enthüllungsplattform WikiLeaks, ist seit fünf Jahren in einem Londoner Hochsicherheitsgefängnis inhaftiert, weil er US-Kriegsverbrechen aufgedeckt hat. Davor war er seit 2012 in der ecuadorianischen Botschaft untergebracht.

Zu Assanges 53. Geburtstag am 3. Juli startet ZeitenWende mit Unterstützung der STUTHE die Veranstaltungsreihe „Kunst für Assange“:

ORT: Amerlinghaus / Galerie, Stiftgasse 8 in 1070 Wien

Mittwoch, 3. Juli ab 19 Uhr – Vernissage
Moderation: Eva Maria Neubauer (Schauspielerin, Singer, Songwriter)
Musik: Christine Kutschera (Harfe)

Sonntag, 7. Juli ab 11 Uhr – Matinee
mit der Band barfuß gegründet von Helene H. Pointner (Gesang) und Alexander E. Fennon (Gesang, Gitarren, Texte & Musik)

Freitag, 19. Juli ab 19 Uhr – Finissage
Lesungen:
Eva Billisich (Schauspielerin, Regisseurin, Liedermacherin, Schriftstellerin)
Walter Schönthaler (Hochschuldozent, Buchautor, Blogger)
Daniela Lupp (Chefredakteurin von Unsere ZeitenWende)
angefragt: Gerald Ehegartner (Lehrer und Buchautor)
Moderation: Eva Maria Neubauer
Musik: Künstlerkollektiv UNS

https://zeitenwende-magazin.at/programm-kunst-fuer-assange

Eine szenische Lesung nach einem Gedicht von Jakob Andratsch, mit Musik von Michael Stark. Gespielt von Ines Wurst.

Vor dem Bauernhof ihrer Eltern/
gab es einen pöbelnden Hahn/
der mich stets anging/
als wäre ich ein Schurke./


Frosinone liegt irgendwo im Niemandsland: Zu weit weg von Rom, um zu pendeln, und zu weit weg vom Meer für einen Tagesausflug. Der Fußballverein dieser Stadt trägt Trikots, die so gelb sind wie die Bananen im Spar in der Währinger Straße. Ein Gedicht über den Auf- und Abstieg von Frosinone und die Liebe zu Wien.

Jeden Donnerstag im Juni um 19.00, Ausgabe Wien
Porzellangasse 1/KIOSK in 1090 Wien
Eintritt Hutspende

Das neue immersive Theaterstück GÖTTERSPEISE MUTTERKUCHEN, unter der Regie von Lisa Carina Maier, findet am 13., 14., 15. Juni um 19.30 und am 15. Juni 2024 ebenso um 11.30 im Pygmalion Theater statt.

GÖTTERSPEISE MUTTERKUCHEN basiert auf der griechischen Sage der Medea von Euripides. Dabei werden mit einem, von zwei Human-Computer-Interaction-Designer*innen erarbeiteten, Konzept und gemeinsam mit dem Publikum Fragen zur Schuld erforscht.

Ist Medea eine gute Mutter?
In wie weit trägt Iason die Verantwortung an dem Mord seiner Kinder?
Wem gebührt welche Strafe und wer darf eine Begnadigung erwarten?

Das Stück verknüpft altgriechisches Epos mit kompromisloser Interaktionsgestaltung und verleiht sowohl der Regie als auch dem rezipierenden Publikum Entscheidungsgewalt.

VVK: Mail an wienerspielwutoffice@gmail.com
Normal: 16€ / ermäßigt 12€
Restkarten an der AK + 2 €
Instagram: @wienerspielwut

Gegründet als Rock-Cover-Band 2019. Unter dem Einfluss der Covid19 Pandemie transformiert in eine Punk/Rock/WienerWelle – Formation mit vorwiegend eigenen Kompositionen und Texten auf Wienerisch.

Die Instrumentierung – E-Gitarre, Bass und Schlagzeug – verzichtet auf jede Anbiederei und sticht so kompromisslos in die Wunde wie Wort und Gesang. Man spürt darin die Härte der Wiener Proletenviertel, hinter der Sehnsucht nach Nähe aufblitzt und - trotz und wegen allem - auch immer wieder Humor.

Pfarrkaffee präsentiert hautnah, hör- und feierbar, nachdenk- und mitfühlbar, was ihm am Herzen liegt.

Sperrig, querköpfig und außerhalb der Streamline.
Weil es wieder hoch an der Zeit ist für Rock mit Punch&Punk&Politics

Gesang: Beichtvater
Gitarre: Hexenweib
Bass: Sündenfall
Schlagzeug: Kardinalschnitte

An der Gitarre freuen wir uns auf Katie Kern, die den heute abwesenden Beelzebub vertritt. Katie Kern wurde von Oscar Klein entdeckt und spielte mit ihm sowie einer Vielzahl anderer Musik-Ikonen wie z.B. Al Cook, Axel Zwingenberger, Betty Semper und Karl Ratzer. Sie arbeitet seit einem Vierteljahrhundert als Gitarristin in Wiener Rock´n´Roll, Blues und Country/Westernswing Formationen ( Carl Kaye, Michael Pewney, Boogie Woogie Gang) und zuletzt bei den Viennese Ladies. Sie ist im Jazz genauso daheim wie im Blues und verfällt in Nashville der Country-chicken picking guitar. 2023 hat sie ihr Album Twilight/Zwielicht veröffentlicht. Am 27.4. packt sie fürs Pfarrkaffee die E-Gitarre aus!

www.pfarrkaffee.at  
www.katiekernmusic.com/

Video "Liptauerbrot" auf Lichtspiel
Musik/Gerhard Mayrhofer, Text/Eva Billisich
Fotocredit: Dylan Whiting

Helene H. Pointner - Gesang
Alexander E. Fennon - Gesang, Gitarren, Texte & Musik

JOWAs hzBand  www.jowa-music.org

In diesem Sinne bespielen JOWA dein Körper-Geist-Seele System.
Alle Instrumente sind auf die heilende Frequenz von 432 Hertz gestimmt.

Das Trio spielt abwechslungsreiche, dynamische 432 hz Musik zum Lauschen, Tanzen und auch Mitmachen.

Aktuell ist soeben der neue Song und das Video "Garden" (auf Lichtspiel ansehen) veröffentlicht.

Gitarren & Stimme: Babl Joachim,

Piano: Ewald Romberg (www.ewald-romberg.at/wp/ueber-mich/)

Drums & Percussion: Martin Holzinger

WORKSHOPLEITUNG: Alexander E. Fennon
DATUM: 10.03.2024
ORT: Theatersaal Ybbsstrasse 15, 1020 Wien
ZEIT: 14.00 bis 18.00

Alexander E.Fennon studierte Geschichte und Soziologie an der Universität Wien. Bis 2015 war er auch als freier Sozial- und Kulturwissenschafter tätig. Ab 2008 erhielt er eine Schauspielausbildung, etwa Improvisation bei Thomas Seiwald, Körperarbeit bei Christian Suchy und Norman Taylor, Camera Acting ab bei Jerry Coyle, Method Acting bei Robert Castle und Meisner-Technik bei Steven Ditmyer.

Von 2009 bis 2012 war er am Schubert Theater unter anderem in der Titelrolle von Elling und Der Lechner Edi schaut ins Paradies, in Astoria und Der grüne Kakadu sowie als Herr von Lips in der Nestroy-Posse Der Zerrissene zu sehen. Seit 2012 war er an den Produktionen von Drama, Baby! im Theater Drachengasse beteiligt. Dort verkörperte er beispielsweise den Ernst in Let's Get It On! Eine Screwball-Sexkomödie, Allen in Tanz, Baby und Eduard Fuchst in Nachts vor der Hochzeit. Ein Stück Witz und Wahnsinn. Er war zudem Gründungsmitglied des peekaboo Improvisationstheaters.

Vor der Kamera spielte er u. a. mit Helen Mirren und Ryan Reynolds (Die Frau in Gold) und mit Jessica Chastain unter der Regie von John Madden (Eine offene Rechnung). Die Zusammenarbeit mit Mara Mattuschka ab 2012 führte bislang zu drei Kinofilmen, darunter Stimmen (2014), in dem er die Doppelhauptrolle Alex/Alexander Gottfarb verkörperte. Darüber hinaus wirkte er in einer Reihe von mehrfach preisgekrönten Kurzfilmen mit, darunter Spitzendeckchen (2012), Das Begräbnis des Harald Kramer (2013), Die Ausgestoßenen (2014) und Das unmögliche Bild (2016).

2018 kamen zwei Filme, in denen er eine Hauptrolle spielte, in die Kinos: der mehrfach prämierte Murer – Anatomie eines Prozesses von Christian Frosch und Mara Mattuschkas Phaidros.

An der Schauspielschule Wien von Markus Hippmann ist er Dozent für Rollengestaltung, szenisches Spiel und Camera Acting.

2011 bis 2014 leitete er das Musikprojekt Jura Swing, mit dem er Theaterlieder und Gedichte von Jura Soyfer in eigener Vertonung auf die Bühne brachte. 2014 und 2015 leitete er den Ersten Chor der Akademie des Österreichischen Films.

Der Workshop Inszenierung & Freiheit soll offen gestaltet sein. Alle Teilnehmer:innen dürfen dem kreativen Prozeß freien Lauf lassen. Auf der Grundlage des Improvisationstheaters kreieren wir Bilder und Schichten, Parallelwelten und konkrete Kreise einer Emotionsrutsche. Ab wann ist man wirklich präsent und wie verbinde ich dies mit dem Gegenüber? Wir üben uns in Achtsamkeit und kitzeln den Mut aus uns heraus. Starte mit uns in die fantastischen Theaterwelten.

Genieße vier Stunden spontane und kreative Theaterkunst und melde dich an unter proplay@stuthe.com.

© Foto Andrea Schramek

Du bist kein Mitglied? Kein Problem:
Nicht-Mitglieder zahlen für den ersten Workshop nur einmal € 20,- zusätzlich.
Dieser Betrag entspricht dem STUTHE Mitgliedsbeitrag für das Geschäftsjahr 2023/2024. Du erhältst mit deiner Teilnahme eine STUTHE-Mitgliedschaft für ein Jahr.

ca. 10-15

Es wird gebeten spätestens 15 Minuten vor Beginn des Workshops anwesend zu sein, damit pünktlich gestartet werden kann!

Eine Seminar-Serie mit Augustin Schauermann zur Entwicklung des eigenen und persönlichen Spielstils.

Entdecke und erforsche die sieben Seelen des Komödianten in dir. Alle sind wir doch letztlich Komödianten auf der Bühne des Lebens. Möchtest du dein Bewusstsein erweitern? Bist du bereit deine Mitmenschen aus neuen Perspektiven zu betrachten? Diese Seminarreihe könnte dann für dich interessant sein, egal ob du Schauspieler, Dramatiker, Tischler, Beamter, Lebenskünstler oder Hungerkünstler bist.

In weiterer Planung stehen weitere drei Stationen dieser Serie: im Sommer, Herbst und Winter 2023.
Immer Freitag Abend, Samstag den ganzen Tag, Sonntag bis zum frühen Nachmittag.

Änderung vorbehalten.

Der Metapher der sieben Seelen des Komödianten, so wie sie der libanesische Dichter und Philisoph Khalil Gibran beschreibt, bauen sich zum Sprungbrett für und in deine Lebensgeschichte. "Es ist meine Erfahrung, dass geteilter Schmerz halber Schmerz und geteilte Freude doppelte Freude ist", so Augustin Schauermann.

Deine erste Seele erneut jeden Tag deine Schmerzen und gewährt dir bei Nacht Erholung von deinem Kummer.

Deine zweite Seele ist deine fröhliche Seele. Sie lacht dein Lachen und singt deine glücklichen Stunden. Deine zweite Seele tanzt mit dreifach beflügelten Füßen deine glänzenden Gedanken.

Deine dritte Seele ist deine liebestolle Seele. Deine flammende Fackel wilder Leidenschaft und überschäumenden Begierden.

Deine vierte Seele ist die erbärmlichste von allen. Nichts ist ihr überlassen als stinkender Hass und zerstörerische Abscheu. Sie ist die sturmgleiche Seele in den schwarzen Höhlen der Hölle geboren.

Deine fünfte Seele ist deine denkende, deine schöpferische Seele. Die Seele des Hungers und des Durstes. Das Los deiner fünfte Seele ist ruhelos umher zu wandern und das Unbekannte, das Unerschaffene zu suchen.

Deine sechste Seele ist eine einsame Seele. Sie ist deine tätige Seele. Eine mitleidvolle Arbeiterin die mit geduldiger Hand und sehnsuchtsvollem Blick die Tage zu Bildern formt und den gestaltlosen Elementen neue, ewige Formen schenkt.

Deine siebente Seele sehnt sich nach einer bestimmten Aufgabe und beneidet alle sechs anderen. Sie ist die Nichtstuer-Seele die im dumpfen, leeren, zeitlosem Nirgendwo sitzt, während die anderen damit beschäftigt sind das Leben neu zu erschaffen.
Augustin Schauermann

Bitte bringe einen ausgewählten (Theater)-Text in doppelter Ausführung mit (gewünscht mit doppeltem Zeilenabstand). Danke.

Der Text soll ca. "5 Minuten" lang sein. Es darf ein Theatermonolog, eine Rede, ein Abschnitt in einem Buch sein - wichtig wäre, dass Du den Text irgendwie magst, toll findest, bewunderst, eine Beziehung zu ihm hast.

Sprache: Deutsch

Kosten (1.Station Frühjahr, 3.-5.März): € 120,-
Ermäßigter Preis für STUTHE Mitglieder: € 80,-

Anmeldung unter anmeldung@stuthe.com

Am 10ten &11ten Dezember findet ein STUTHE Impro-Workshop-Wochenende (IWW) mit vier unterschiedlichen Themenschwerpunkten statt.

Alle Workshops sind einzeln oder im Paket buchbar.

Leitung | CHRISTOF SCHMIDT
Samstag 10 bis 13 Uhr

Das wohl schönste Gefühl beim Improvisationstheater ist, wenn alles einfach passiert, man völlig da ist, im Moment aufgeht, aber gleichzeitig keine wirkliche Kontrolle hat. Gleichzeitig ist dies aber am schwierigsten zu erreichen. In diesem Workshop werden wir uns mit speziellen Übungen herantasten, an das sogenannte "Flow"-Erlebnis. Dazu muss es nämlich genau die richtige Dosis an Herausforderung, aber eben nicht Überforderung, sein.

Leitung | DANIEL MITTENDORFER
Samstag 14.30 bis 18.30 Uhr

Rollenspiele sind kooperative Spiele, bei denen die Spieler*innen in eine Rolle schlüpfen und gemeinsam ein Abenteuer erleben. Ein*e Rollenspielleiter*in oder Meister*in führt die Gruppe durch die Geschichte. Bei diesem Workshop wird freies Rollenspiel forciert, also nicht innerhalb eines bekannten Spielsystems. Fokus des Workshops ist die Charaktererstellung. In welche Rolle schlüpfe ich und warum? Welche Charaktereigenschaften lassen sich wie umsetzen? Was braucht ein Spielecharakter, dass er interessant und spielbar ist und bleibt?

Leitung | JOHANN PETER BRANDL
Sonntag 10 bis 14 Uhr

Vor Menschen zu stehen, sie zum Lachen bringen, sie zu unterhalten ist eines die schönsten Gefühle. Über den eigenen Schatten zu springen und sich zu trauen, sich selbst zu präsentieren. Bei mir werden wir Übungen machen und Spiele spielen, die sich um das Thema Präsentation drehen werden.

Leitung | AXEL STARZ
Sonntag 15.00 bis 19.00 Uhr

Vorweg: Du brauchst keine musikalischen Vorkenntnisse. KEINE. Null. Nada. Rien. Goanix.

Denn: Wenn Du mindestens eine der folgenden Fragen mit “ja” beantworten kannst:

…dann ist das alles, was Du brauchst. Komm zu “Musik und Improv”.

Sprache, Bewegung und Musik gehören zusammen und bilden (für mich) die Dreifaltigkeit allen Improvisierens. Das eine lässt sich durch das andere erfahren, lehren und lernen.

Wir werden mit unserer Stimme, unserem Körper, und einfachen musikalischen Bauklötzen Improvisationstheater und Musik verbinden und wunderschönes Neues erschaffen.

Inhalte: Bodypercussion; Beatboxen; Sprechgesang/Rappen; Gregorianische (Pentatonische) Gesänge; Formen: Strophe, Refrain und Bridge, sowie Raumeinteilung (Konstellationen, Ebenen)

Spiele: Sitzen, stehen, liegen; Klingt nach einem Lied; Weißt Du noch damals?; Assoziationsspiele, Reimspiele (Kein iks ohne üps); u.a. andere

Bitte melde Dich jetzt an unter anmeldung@stuthe.com

Teilnahmegebühr EUR 10,- pro Workshop für STUTHE- Mitglieder.
Bei Buchung aller vier Workshops beträgt die Gebühr EUR 35,- für STUTHE-Mitglieder.

Du bist kein Mitglied?

Teilnahmegebühr EUR 20,- pro Workshop. 

Überweise die Teilnahmegebühr innerhalb einer Woche an:

EMPFÄNGER: STUTHE – Plattform zur Förderung junger darstellender Künste
BANK: Erste Bank Österreich
IBAN: AT55 2011 1291 3977 4800

Schreibe im Feld VERWENDUNGSZWECK "IWW 1 bis 4" damit wir deine Überweisung eindeutig zuordnen können.

Wir präsentieren als Quickie-Extra eine Doppelkonzertreihe Ende März/Anfang April mit bekannten und neuen Gesichtern auf der großartigen Bühne des Theatersaals Ybbsstraße.

Nachdem wir Helly Vega's Klaviertalent unter anderem auf der Quickie-Bühne erleben und uns von seinen ausdrucksstarken Klang-Künsten überzeugen konnten, freuen wir uns ganz besonders ihn und seine funkelnden musikalischen Co-Piloten auf unserer Bühne zu erleben.

I somehow chose to focus this life on the realm of frequencies, namely that of sound waves. I feel the deepest gratitude for the possibility to explore these exceptional wonders, for we are all blessed to encounter them, if we only choose to listen. The glory of perfection is all around us.

The word perfection may seem a little far fetched regarding the path we have taken as a whole. And every alleged glory is just a short-lived illusion if we fail to align our hearts for the good of humanity, and for our Goddess Earth. We should strife for love, and stand together as fellow humans, for it is all a learning curve. I feel ready to give my knowledge and life for the benefit and development of us all. And above all, I am eager to fight – peacefully – for the light.

hellyvega.one/bio.html

"Unsere Musik fließt mit Entspanntheit und ist für alle Menschen in jedem Rahmen hörbar. Mit Leichtigkeit, Spielfreude und unserem gemeinsamen Flow verwöhnen wir eure Seelen. Abwechslungsreich, dynamisch mit sanfter Intensität der Oud, Harfe, Gitarre und mit unseren Stimmen wollen wir euch begegnen." 

Und an diesem Abend als
Introducing Act:

Wort- und Klanggenial mit der rhythmischen Gitarre springt er spielend leicht über die Tonleiter.

Lichtspiel Link: Kurt T. Bauer beim STUTHE Quickie Q81

Don´t Miss the music!

25.3. 2023
Start: 19 Uhr

Ybbsstraße 15, 1020 Wien

Wir präsentieren als Quickie-Extra eine Doppelkonzertreihe Ende März/Anfang April mit bekannten und neuen Gesichtern auf der großartigen Bühne des Theatersaals Ybbsstraße.

Select/Reject wurde Anfang 2017 von Robert Emke (Gitarren, Komposition) und Nicholas Shore (Gesang, Songwriting, Background-tracks) gegründet. Eva Götz gesellte sich mit der Geige im Laufe der Zeit dazu Nach einem Anfang mit Covers und wenigen eigenen Stücken haben sie sich seit einiger Zeit auf eigene Musik konzentriert. Der Name leitet sich davon ab, dass sie sich stilistisch nicht einschränken wollen, sondern wild über Genregrenzen hinweg selektieren – oder eben nicht! Auch bei den Eigenkompositionen reichen die Einflüsse vom Singer/Songwriter über Pop, Folk, Punkrock bis Anleihen von Heavy-Metal.

Facebook: https://www.facebook.com/SelectReject
Soundcloud: https://soundcloud.com/select_reject

Kellerblume spielen seit 2019 in verschiedenen Konstellationen zusammen. Mit eigenen Songs von Folk bis Rock bringen sie im Keller die Blumen zum blühen. Robo an der Gitarre umschmeichelt mit seinen Kompositionen verschiedene Genres. Mit der Geige in der Hand raubt Eva euch jeden Verstand. Amy dringt mit ihrer Stimme selbst durch die dunkelste Nacht schreibt Texte in mehreren Sprachen, vorwiegend auf Englisch und Deutsch und lässt dabei ihren Gefühlen freien Lauf. Jakob ist auch mit dabei samt Percussion und so.

Instagram Link: https://instagram.com/kellerblume?igshid=YmMyMTA2M2Y=

Und an diesem Abend als
Introducing Act:

Wir freuen uns über den Ausnahmekünstler, der diesen Abend eröffnen wird.

Spritzig, humorvoll und mit viel genialer Power präsentiert er uns feine Eigenkompositionen.

Don´t Miss the music!

1.4. 2023
Start: 19 Uhr

Ybbsstraße 15, 1020 Wien

Wir laden alle herzlich zu unserem Weihnachtsquickie Q80 ein.

Die langjährige STUTHE Open Stage bietet einen feinen und abwechslungsreichen Unterhaltungsrahmen für unsere Weihnachstfeier, die wir an dem Abend zwanglos begehen wollen.

Im Anschluss gibt einen Open Jam für alle, die sich austoben möchten.

Ab 20:00

Ybbsstraße 15 in 1020 Wien im Theatersaal Ybbsstraße

Eintritt frei!

Wir freuen uns auf Euer Kommen!

Eure STUTHE

25. Juni 2022, 19 Uhr
Ybbsstraße 15, 1020 Wien

Save The Date!

Mit freundlicher Unterstützung durch den Bezirk Leopoldstadt.

Dario Fo´s Zufälliger? Tod eines Anarchisten

Morte accidentale di un anarchico

eine STUTHE Co-Produktion

Regie: Hannah Firle

8. und 10. Juni Bezirksgericht Meidling (Schönbrunner Straße 222-228, 1120 Wien)

Tickets unter:
dariofomeidling@gmx.at

24. und 26. Juni Kunst VHS (Lazarettgasse 27, 1090 Wien)

Tickets unter:
dariofoalsergrund@gmx.at

1969 erschütterten mehrere Bombenattentate Italien. Der Anarchist Pinelli, der mit anderen Verdächtigen festgenommen wurde, stürzte bei einem Verhör aus dem Fenster. Die offizielle Geschichtsversion lautete: er habe Selbstmord begangen und damit sei dies das Eingeständnis seiner Schuld. Dario Fo greift diese Theamtik in Form einer Groteske auf und lässt den Narren wiederum zu Wort kommen.

WORKSHOPLEITUNG: Eva Billisich 
DATUM: Samstag 29. Oktober 2022, 14 Uhr
ORT: Theatersaal Ybbsstrasse 15, 1020 Wien

Eva Billisich ist bekannt als Schauspielerin, Musicalstar, Liedersängerin und Autorin. Schauspielausbildung genoss sie bei Herwig Seeböck, Reinhard Tötschinger, Adelheid Pillmann, Jutta Schwarz und Renate Ganser. Fortbildungen bei Walter Lott, Giora Seliger und Peter Shub. Es folgten etliche Kabarettprogramme und Theaterproduktionen mit Alfred Dorfer und Roland Düringer unter Schlabarett (Salzburger Stier für Kultur gegen alle; aus dem Bühnenstück Muttertag entsteht der gleichnamige Film). Des Weiteren Arbeiten am Theater, beim Film, als Autorin und Schauspiel-Coach. Langjährige Kooperation mit dem Theatro piccolo (für Charlotte Ringlotte gab es den Preis der deutschen Schallplattenkritik). Seit 2010 ist Eva Billisich mit der Band und eigenen Texten im Wiener Dialekt unterwegs. Inspiriert und motiviert von Heli Deinboek (2011: CD Lasterlieder, 2013: CD Steig ei in mei Bluatbahn). 2013 startete sie ein gemeinsames Programm mit Andrea Händler: Damenspitz. Siehe auch www.billisich.at

Tauche ein in die vielfältige Schauspielwelt - melde dich an unter proplay@stuthe.com.

In der ersten Hälfte dieses 3x4 Workshops bilden sich zwei oder mehrere Gruppen heraus, die jeweils gemeinsam einen Text erarbeiten werden. In der zweiten Hälfte werden wir die Texte zur szenischen Umsetzung bringen.
Genieße diese kreative Schreibwerkstatt und hauche den gewählten Wörtern Bühnenleben ein. 

Wir freuen uns auf einen intensiven und lehrreichen Workshop.

Du bist kein Mitglied? Kein Problem:
Nicht-Mitglieder zahlen für den ersten Workshop nur einmal € 20,- zusätzlich.
Dieser Betrag entspricht dem STUTHE Mitgliedsbeitrag für das Geschäftsjahr 2022/2023. Du erhältst mit deiner Teilnahme eine STUTHE-Mitgliedschaft für ein Jahr.

ca. 10-15

Es wird gebeten spätestens 15 Minuten vor Beginn des Workshops anwesend zu sein, damit pünktlich gestartet werden kann!

WORKSHOPLEITUNG: Géza Terner
DATUM: Sonntag 20. November 2022, 10 Uhr
ORT: Theatersaal Ybbsstrasse 15, 1020 Wien

Géza Terner ist halb Österreicher, halb Franzose, aufgewachsen in Österreich, Portugal und Frankreich. Studierte an der Schauspielschule Prof. Krauss in Wien. Zugleich schrieb er schon erste Kabarettprogramme und gewann mit seinem Ensemble „Bakschisch“ den „Grazer Kleinkunstpanther“, den „Kärntner Kleinkunstdrachen“ und das „Passauer Scharfrichterbeil“. Es folgten Gastauftritte bei Josef Hader, in der Comedy-Serie „Novotny & Maroudy“ und als Majordomus in „Marie Bonaparte“ mit Catherine Deneuve. Parallel zu seinen Engagements gründete Géza Terner das Theaterensemble „Theater im Wohnzimmer“ mit Manuel Rubey mit über 300 Auftritten in privaten Wohnzimmern (www.theaterimwohnzimmer.at). Viele Jahre war Géza Terner auch Ensemblemitglied des Salzburger Straßentheaters unter der Leitung von Prof. Klaus Gmeiner und Georg Clementi. Er lebt und arbeitet in Österreich. Siehe auch www.gezaterner.at

Im konzentrierten Workshop entwickeln wir gemeinsam, einen von Euch mitgebrachten und gelernten Theatertext.
Länge 5 Minuten. Es kann ein Monolog aber auch ein Dialog sein. Bitte bringe Deinen Text ausgedruckt mit.
Anhand des Textes werden wir die Praxis des szenischen Theaterarbeitens entdecken und an Deiner Performance im Detail forschen und auf dieser aufbauen.

Genieße vier Stunden spannende Theaterkunst und melde dich an unter proplay@stuthe.com.

Du bist kein Mitglied? Kein Problem:
Nicht-Mitglieder zahlen für den ersten Workshop nur einmal € 20,- zusätzlich.
Dieser Betrag entspricht dem STUTHE Mitgliedsbeitrag für das Geschäftsjahr 2022/2023. Du erhältst mit deiner Teilnahme eine STUTHE-Mitgliedschaft für ein Jahr.

ca. 10-15

Es wird gebeten spätestens 15 Minuten vor Beginn des Workshops anwesend zu sein, damit pünktlich gestartet werden kann!

WORKSHOPLEITUNG: Dunja Sowinetz
DATUM: Sonntag 28. August 2022, 11 Uhr
ORT: Theatersaal Ybbsstrasse 15, 1020 Wien

Dunja Sowinetz absolvierte ihre Schauspielausbildung an der Schauspielschule Krauss. Seit der Saison 1985/86 ist sie festes Ensemblemitglied am Wiener Burgtheater. Dunja Sowinetz stand auch bei zahlreichen Festspielen auf der Bühne, u. a. bei den Salzburger Festspielen und den Festspielen Reichenau. Sie ist in zahlreichen Film- und Fernsehproduktionen zu sehen, u. a. in Ulrich Seidls Film Paradies: Liebe. Für das Metropol bearbeitete Dunja Sowinetz High Society für die Bühne und übersetzte Guys and Dolls für die Metropole-Produktion Strizzis und Mizzis ins Wienerische. Sie textet eigene Songs und Übersetzungen für das Burgtheater und steht mit eigenen Programmen auf der Bühne. Siehe auch www.austria-forum.org/af/AustriaWiki/Dunja_Sowinetz.

Tauche ein in die vielfältige Schauspielwelt - melde dich an unter proplay@stuthe.com.

Wir besprechen gemeinsam, einen von Euch mitgebrachten und gelernten Theatertext. Länge ca. 5 Minuten.
Es kann ein Monolog oder auch ein Dialog sein. Bitte bringe Deinen Text ausgedruckt mit.
Anhand des Textes werden wir die Praxis des szenischen Theaterarbeitens entdecken und an Deiner Performance im Detail arbeiten.

Wir freuen uns auf einen intensiven und lehrreichen Workshop.

Du bist kein Mitglied? Kein Problem:
Nicht-Mitglieder zahlen für den ersten Workshop nur einmal € 20,- zusätzlich.
Dieser Betrag entspricht dem STUTHE Mitgliedsbeitrag für das Geschäftsjahr 2022/2023. Du erhältst mit deiner Teilnahme eine STUTHE-Mitgliedschaft für ein Jahr.

ca. 10-15

Es wird gebeten spätestens 15 Minuten vor Beginn des Workshops anwesend zu sein, damit pünktlich gestartet werden kann!

WORKSHOPLEITUNG: Eva Billisich 
DATUM: Sonntag 24. Oktober 2021, 14 Uhr
ORT: Theatersaal Ybbsstrasse 15, 1020 Wien

Eva Billisich ist bekannt als Schauspielerin, Musicalstar, Liedersängerin und Autorin. Schauspielausbildung genoss sie bei Herwig Seeböck, Reinhard Tötschinger, Adelheid Pillmann, Jutta Schwarz und Renate Ganser. Fortbildungen bei Walter Lott, Giora Seliger und Peter Shub. Es folgten etliche Kabarettprogramme und Theaterproduktionen mit Alfred Dorfer und Roland Düringer unter Schlabarett (Salzburger Stier für Kultur gegen alle; aus dem Bühnenstück Muttertag entsteht der gleichnamige Film). Des Weiteren Arbeiten am Theater, beim Film, als Autorin und Schauspiel-Coach. Langjährige Kooperation mit dem Theatro piccolo (für Charlotte Ringlotte gab es den Preis der deutschen Schallplattenkritik). Seit 2010 ist Eva Billisich mit der Band und eigenen Texten im Wiener Dialekt unterwegs. Inspiriert und motiviert von Heli Deinboek (2011: CD Lasterlieder, 2013: CD Steig ei in mei Bluatbahn). 2013 startete sie ein gemeinsames Programm mit Andrea Händler: Damenspitz. Siehe auch www.billisich.at

In der ersten Hälfte des abschließenden 3x4 Workshops bilden sich zwei Gruppen heraus, die jeweils gemeinsam einen Text erarbeiten werden.
In der zweiten Hälfte werden beide Gruppen jeweils den Text der anderen Gruppe zur szenischen Umsetzung bringen. Genieße diese kreative Schreibwerkstatt und hauche den gewählten Wörtern Bühnenleben ein. Melde Dich an unter proplay@stuthe.com.

Im Rahmen der Workshopreihe "3x4" organisiert die STUTHE für seine Mitglieder und die, die es noch werden wollen, hochkarätig besetzte Workshops mit erlesenen Profis in den Monaten August bis Oktober 2021. Sie dauern jeweils konzentrierte 4 Stunden und können einzeln oder auch im Paket gebucht werden. Sponsored by "4 Minuten - Geschichte, Kunst & Kultur (Youtube)".

Bei Nichtteilnahme können wir leider grundsätzlich keine Kosten zurückerstatten.
Wenn du schon einige Zeit vor der Veranstaltung weißt, dass du nicht teilnehmen kannst, gib uns bitte Bescheid, um eventuell deinen Workshop-Platz an eine Person auf der Warteliste abzugeben.

Bei weniger als sechs Anmeldungen für diesen Workshop wird dieser verschoben. Du wirst in diesem Fall spätestens drei Tage vor Beginn der Veranstaltung darüber per E-Mail verständigt. Deine verbindliche Anmeldung erhält dabei ihre Gültigkeit für den Ersatztermin. Falls du keine Möglichkeit hast, den Ersatztermin wahrzunehmen, wird dir dein überwiesener Betrag rückersattet.

Du bist kein Mitglied? Kein Problem:

Nicht-Mitglieder zahlen für den ersten Workshop nur einmal € 20,- zusätzlich.
Dieser Betrag entspricht dem STUTHE Mitgliedsbeitrag für das Geschäftsjahr 2021/2022. Du erhältst mit deiner Teilnahme eine STUTHE-Mitgliedschaft für ein Jahr.

Ca. 16 Personen.

Banner, Plakat und Flyer zum Download.

oder: Wann stirbt die Queen?

ACHTUNG: Leider müssen wir die bestehenden Termine, aufgrund der aktuellen Situation, absagen. Weitere Informationen folgen.

Wir befinden uns im Schacht eines U-Bahn-Netzes. Das Draußen scheint nicht mehr zu existieren und seit geraumer Zeit leben sechs Menschen in dem dunklen Labyrinth aus endlosen Gängen. Vorbeifahrende U-Bahnen spiegeln die Silhouetten der Außenwelt wieder und erinnern an ein Leben davor.

Mit ‚Mind the Gap‘ bringt die Theatergruppe [leerzeichen] ihr zweites, selbstgeschriebenes Stück zur Aufführung. Wie das erste Stück ‚Platzbedarf‘, entstand auch ‚Mind the Gap‘ in kollektiver Zusammenarbeit von sechs Personen und vielen Helfer*innen. Produziert wurde ‚Mind the Gap‘ vom Theaterverein STUTHE.

Sinn – Sören | Husch – Henrike | Bingo – Natascha | Flack – Flora | Igel – Immanuel | Captain – David
Produktion – [leerzeichen], STUTHE | Regie – [leerzeichen] | Text – [leerzeichen] | Bühnenbild – [leerzeichen] | Musik – [leerzeichen], Jeånne | Kostüm – [leerzeichen] | Maske – Corina | Technik – Daniel, Jakob | Sprech- und Schauspieltraining – Soli, Miguel

Mehr Infos: https://www.facebook.com/Leerzeichen-2280132368750458/

von Sarah Ruhl
Wiener Spielwut Produktion

Das moderne Theaterstück Eurydike handelt von zwei Liebenden, die durch den Tod getrennt werden. In der Unterwelt gefangen, begegnet Eurydike ihrem verstorbenen Vater, während Orpheus verzweifelt versucht, seine Frau aus dieser zu befreien. Anders als im Original erzählt Ruhl die Geschichte aus der Sichtweise von Eurydike, der weiblichen Protagonistin.

Die Beziehung zu ihrem Vater, die Angst vor dem Erwachen und die Hoffnung, dem Schmerz entkommen zu können sowie die Erinnerungen an ihre Kindheit rücken diese griechische Tragödie in ein neues Licht.

"Rhapsodically beautiful. A weird and wonderful new play - an inexpressibly moving theatrical fable about love, loss and the pleasures and pains of memory." - The New York Times

Premiere am 25.10. um 20:00 - Einlass 19:00
Weitere Aufführungen am 26. und 28.10.
Gallerie Die Schöne (Kuffnergasse 7 | 1160 Wien)
Kartenreservierungen: PN an Wiener Spielwut

In Kooperation mit der STUTHE
STUTHE-Mitglieder bekommen wie immer Ermäßigung!

30. November 2018 | carla Mittersteig 10 | 1050 Wien

Das Wort éntomon hat seine Wurzeln im altgriechischen und bedeutet so viel wie „Insekt“ oder „einschneiden“.
Diese Thematik durchzieht das absurde interdisziplinäre Zweipersonenstück mit Karoline Gans und David Czifer.

Was ist zerschnitten, eingeschnitten, aufgeteilt, zerteilt? Wo beginnt die Mauer und das Territorium? Sind wir eingemauert oder ausgemauert? Sind wir eingeschnitten oder ausgeschnitten?
Das philosophische Theaterstück arbeitet interdisziplinär mit verschiedenen Medien wie Musik/Ton und Projektion, Bewegung, Sprache, Körpersprache.
Im Kern stehen zwei fiktive Personen, die sich in ihren emotionalen Labyrinthen verlaufen, heraus finden und ihr persönliches Glück in dieser Welt der Politik und Gesellschaft suchen.
Éntomon wurde durch die Flüchtlingsthematik beeinflusst. Der Makrokosmos wird hier dennoch auch auf den Mikrokosmos (das Selbst) umgelegt. 

Das ist das vierte Stück von Stephanie Grünberger, dass sich mit der Vermischung von Möglichkeit und Wirklichkeit befasst und den Mikrokosmos dem Makrokosmos gegenüber setzt. Beziehung im Kleinen spielt im Großen genau so eine Rolle wie umgekehrt. Die Spiegelung ist System in den philosophisch absurden Betrachtungen.

EINTRITT FÜR STUTHE MITGLIEDER: freie Spende
RESERVIERUNG: tickets@stg.jetzt | BETREFF: STUTHE

Produktion der Bogoljubow Prudskis
www.stephaniegruenberger.jetzt/entomon

Èntomon oder die Suche nach dem Glück TEASER

Wir spielen wieder improvisiert und hochmotiviert...

Kennt ihr das Gefühl, wenn sich etwas sehr weiches an eure Haut anschmiegt und dann geht plötzlich das Licht an und 6 Personen stehen auf der Bühne. Naja, so oder so ähnlich könnt ihr euch die neue fixe Improgruppe der STUTHE vorstellen, nur vielleicht mit noch mehr sex appeal. We proudly present Kaschmir!

01.07.2016
19.30 Uhr
Erich Fried Gymnasium, Glasergasse 25, 1090 Wien

WEG mit der Welt ist ein philosurd, ein absuphilo Stück auf Brettern. Ich würde es also übersetzen als absurdes philosophisches Theater. Keiner geht zum Lachyoga oder betrügt seinen Hund. Es gibt nicht einmal einen Erdhaufen mit einer eingegrabenen Frau darin, die einen Schirm hält und die sich um ihren Mann sorgt, der auf der anderen Seite des Hügels, vielleicht mit dem Kopf voran ins Loch hineingewurschtelt ist und deswegen keinen Laut mehr von sich geben kann. Glückliche Tage hat man ja nicht immer, nicht wahr?

Ermäßigung für STUTHE Mitglieder an der Kassa.

Mehr Infos: www.stephaniegruenberger.jetzt
Facebook: www.facebook.com/wegmitderwelt

Ein bunt durcheinander gewirbeltes Potpourri aus verschiedenen Sketchen und Songs der legendären britischen Komiker-Gruppe. Wie bei den Pythons üblich, spielen Konventionen, Geschlechter und Sinnhaftigkeit eine eher untergeordnete Rolle und es steht vor allem der Spaß am Bizarren und Unerwartetem im Vordergrund. Gespeist wird das Alles aus dem unerschöpflichen Fundus, welchen Monty Python durch unzählige TV-Sendungen, Bühnenauftritte und Kinofilme angesammelt haben.



10. und 13. Oktober
19 Uhr
Café Tachles
Karmeliter Platz 1, 1020 Wien
Eintritt: freie Spende

Premiere 20. September 2013, 19:00
21., 22. & 25., 26., 27., 28. 09. jeweils 19:00
Palais Kabelwerk


Beschreibung

„Expeditionen in Urwälder des Alleinseins“ ist, frei inspiriert von Thomas Bernhards gleich lautender Formulierung aus dem Roman Frost, eine theatrale Untersuchung des Phänomens des Alleinseins in der heutigen Zeit.

Eine Expedition als Versuch unabhängig zurecht zu kommen, endet mit einer einschneidenden Erkenntnis – Der eigenen Einsamkeit, die verborgen darauf lauert sich wie ein wildes Tier an den Innenwänden des Selbst festzubeißen, entgeht man nicht.

Die ZuschauerInnen werden zu stillen BeobachterInnen, die sich ihren Weg durch ein Labyrinth aus neun Installationen bahnen. Von Nahem können sie diese jeweiligen „Zellen des Alleinseins“ erkunden, deren Bewohner scheinbar nur im totalen Rückzug ihre Sinnerfüllung finden. 

„This is the way the world ends / This is the way the world ends / This is the way the world ends / Not with a bang but a whimper.“ schrieb T.S. Eliot in seinem Gedicht The Hollow Men. Können Menschen in vollkommener Zurückgezogenheit glücklich sein?

Achtung! Begrenzte Teilnehmerzahl

Reservierungen auf www.palaiskabelwerk.at,
telefonisch unter 01/8020650 oder per Mail: tickets@palaiskabelwerk.at

Kartenpreise
16 € / 12 € erm.
9 € Stuthe Mitglieder

Maskenball einer gelangweilten Gesellschaft.
Triviales und Absurdes. Dazu ein vorzügliches Gurkensandwich.
Wie trinken Sie Ihren Tee? Ja bitte.
Und wer hat eigentlich diese Wahrheit erfunden?

„irgendwann sollte dieses Stück bei so etwas wie Schönheit und Vergebung ankommen.
ABER ICH WEISS NICHT WIE DAS GEHT“

„PROTECT ME“ - so heißt das International Health Resort irgendwo in Thailand, in das ein Autor mit ausgewachsener Sinn- und Seinskrise flieht, um Gedärme und Gedanken hemmungslos freizuspülen. Es ist ein Wellness-Exzess, ein Lazarett der globalen Ökonomie.

Der Autor und Regisseur Falk Richter durchschreibt mit seinen Werken pulsierend-eruptiv die Unsicherheiten des heutigen Menschen. Mit Stücken wie „Electronic City“ und „Trust“ gehört Richter zur ersten Riege zeitgenössischer, deutschsprachiger Theaterautoren. PROTECT ME wurde 2010 an der Berliner Schaubühne uraufgeführt und ist jetzt erstmalig in Wien zu sehen.

Alter Link zu Youtube: http://www.youtube.com/embed/Ws_da7eByC0

Erstmalige Aufführung in Österreich - Wien am 9./10. und 11. Mai jeweils 20 Uhr im Stilwerk Wien (Praterstraße 1, 1020 Wien)

Mehr Infos unter: facebook.com/protect.vienna

PREISE: 13 €
ermäßigt: 9 €
Stuthe-Preis: 8 €

Reservierung für den 11. Mai nur mehr telefonisch möglich: 0681 81188731

mit Aleksandra Corovic, Steve Schmidt, Christopher Hütmannsberger, Cathrine Dumont, Peter Dworzak

Regie Rieke Süsskow — Regieassistenz /Produktion Jennifer Skriwan — Dramaturgie Willi Kubica — Bühne Felix Huber — Kostüm Maria Weichesmüller — Sound Martin Bogisch, Moritz Scharf

Ein Mann. Seine Krone. Die Macht.

Liebe Freunde und Freundinnen, liebe Theaterinteressierten!

Bald ist es endlich soweit und die Premiere von „Richard 2. Ein Mann. Seine Krone. Die Macht“ und beendet damit einen über zwei Monate andauernden Probenprozess.
Wir freuen uns schon sehr darauf, eine/n jede/n von Euch willkommen heißen zu dürfen.

„König Richard II.“ von Shakespeare, was ist das eigentlich? – Einfache Antwort: Eine Frage um Macht. Dieser Frage gehen wir in unserer Inszenierung auf den Grund.
Was ist Macht?, Wer hat Macht?, Was sind verschiedene Formen von Macht?

Eine Kurze Beschreibung zum Inszenierungskonzept:
Ein Gegnerpaar – der „von Gott Erwählte“ und der „sich alles hart Erarbeitende“ – wechseln sich in der Herrschaft ab. Die Geschichte dieses Machtwechsels, der in seinem Verlauf, der schrittweisen Demontage des bestehenden Herrschers durch einen “Verführer der Massen”, letztlich weder orts- noch zeitgebunden ist, ist gleichzeitig auch eine typische Entwicklungsgeschichte: Richard muss angesichts des ehrgeizigen Aufstiegs seines Cousins Bolingbroke sein Weltbild und sein Selbstverständnis hinterfragen. In Selbst- sowie auch Zwiegesprächen mit dem Barkeeper Aumerle sucht Richard Erklärungen für sein Schicksal und beginnt einen inneren Entscheidungsprozess, um letztlich seinen eigenen Weg zu finden.
Wir arbeiten mit einer stark gekürzten Fassung der Brasch Übersetzung, das heißt mit einer modernen, poetischen Sprache.

Es erwarten Euch eine Menge hitziger Konflikte, die Auseinandersetzung von und mit Macht und eine Vielzahl von Überraschungen.
Die erste sei hier schon verraten und lädt zum Vorbereiten ein: Es wird OPEN AIR gespielt.
Es kann nichts schöneres geben, als bei einem tollen Sonnenuntergang und einen entspannenden Getränk den poetischen Versen Shakespeares zu lauschen.

MIT: Wolfgang Gager, Lukas Neukirchner, Lucas Riedle, Sören Kneidl, Daniel Piringer, Gerald Dell´mour

REGIE Maria Ketscher — KONZEPT Agnes Kisser — BÜHNE Isabella Wöber — MUSIK Markos M-Triantafyllou — PRODUKTION Maite de Wit, Soeren Keup — PRODUKTIONSBETREUUNG Rieke Süsskow, Felix Huber

Premiere:

Mittwoch 29. Mai, 19:30 Uhr

Weitere Vorstellungen:

Donnerstag 30. Mai, 19:30 Uhr
Freitag 31. Mai, 19:30 Uhr
Samstag 1. Juni, 19:30 Uhr

Aufführungsort: Leystraße 124, 1200 Wien - FLANSCH:WERK

zu erreichen mit:
Straßenbahn 2 bis Innstraße oder Traisengasse.
S-Bahn bis Traisengasse
U-Bahn U6 bis Dresdnerstraße, dann 2 Stationen mit der Straßenbahn 2


Preise:
Normal 12 €/Ermäßigt 8 €.

Das Stück wird von der „STUTHE. Plattform zur Förderung junger Künste.“ getragen und ist in enger Zusammenarbeit mit der Verein entstanden.
Wir freuen uns jedenfalls schon wahnsinnig auf Euch und Eure Reaktionen.

Um eine Reservierung wird gebeten!
Kartenreservierungen unter: Richard2@stuthe.com
sowie auch telefonisch unter: 069917273454 - es erwartet Euch eine nette und gut gelaunte Stimme.

Richard2 auf Facebook

Ich und das gesamte Richard2-Team freuen und schon wahnsinnig auf die Premiere und Euer kommen - es wird ein Hochgenuss!

„Es ist erstaunlich, wie sich der Mensch so ganz der Täuschung hingeben kann, dass das Schöne auch das Gute sei.“ - Lew Tolstoi

Eine Geschichte voller Skurilitäten aus dem Westen Irlands mit einem Humor, so schwarz, dass einem das Lachen im Halse stecken bleibt.

Die irische Tristesse und Aberwitzigkeit treiben Maureen Folan auf ihrem kleinen Hügel in Leenane immer tiefer in die Verzweiflung. Draußen die Hühner in schlammigen Pfützen – drinnen in der Hütte die alte, garstige Mutter, die einfach nicht sterben will. Ein Mann muss her – doch diesen Plan hat Maureen ohne ihre intrigante und perfide Mutter gemacht.

Diese Inszenierung verschafft Eintritt in einen entstellten, aber dennoch intimen familiären Raum, dessen Atmosphäre von jahrelanger Missgunst und seelischer Grausamkeit vergoren wurde. Geprägt ist dieses Verhältnis von häuslicher Gewalt, die zwischen unterschwelliger sprachlicher Aggression und mitleidslosen Bestrafungen schwankt.
Das Publikum dringt in ein psychosoziales Spannungsfeld ein, in welchem es sich mit den morbiden Wunschträumen von Maureen konfrontiert sieht, die unter ihrer ausweglosen Lebenslast extreme Vorstellungen von einem schönen Leben entwickelt hat.
Doch Maureens Ideale verschärfen in ihrer Überbelichtung lediglich den Blick auf Sehnsüchte und Vorstellungen von Schönheit, die unsere Gesellschaft anführen.
Je begehrenswerter etwas erscheint, desto stärker verdeckt es die porösen Seiten der Realität.
So wird an diesem Theaterabend auch ein Blick hinter das Postkartenidyll Irland geworfen, das mit einer langen Geschichte der Auswanderung und wirtschaftlichen Instabilität zu kämpfen hat.

Die „Beautyqueen von Leenane“ ist ein Stück, wo alles bereits einen Makel hat, wo selbst die guten Dinge keinen angenehmen Schauer mehr mit sich bringen – wo jeder Blick auf Flecken fällt.

In Zusammenarbeit mit der Musikerin Lydia Sarges entstand ein eigens angefertigter, experimenteller Soundtrack für diese Produktion.


DIE BEAUTYQUEEN VON LEENANE - TRAILER

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ENDLICH macht sich ans Werk ...

... und bespielt die Bühne der WERKerei (Neulerchenfelderstraße 6-8, 1160 Wien)

Bar ist vor Ort! :)

Neue Geschichten werden erfunden, unbekannte Welten erforscht. Es wird gespielt und gesungen, die Geheimnisse des Alltags ans Bühnenlicht geholt - und das Beste ist:

Alles ist IMPRO! Nichts ist gewiss! Wir freuen uns auf einen Abend voller Überraschungen, an dem das Publikum und die Spielenden ihrer Fantasie freien Lauf lassen können!

ENDLICH ist (es) soweit:
Die fixe Improvisationstheater-Gruppe der STUTHE macht die Bühne der ostbar unsicher!

Neue Geschichten werden erfunden, unbekannte Welten erforscht! Es wird gespielt und gesungen, geschwommen und getanzt und das Beste ist:

Alles ist IMPRO! Nichts ist gewiss! Wir freuen uns auf einen Abend voller Überraschungen, an dem das Publikum und die Spielenden ihrer Fantasie freien Lauf lassen können!

„Die Nacht, die uns blieb“ ist ein Projekt, das versucht Operngesang und klassischen Gesang mit Theater zu verbinden. Es geht hierbei nicht um die Aufführung einer Oper, sondern um verschiedensten Gesangsstücke die durch eine Geschichte miteinander verbunden werden. Dieses Projekt setzt sich kritisch mit der Gesellschaft auseinander und versucht dem Zuschauer verschiedene Charaktere in dieser Situation näher zu bringen. Alle Emotionen werden durch Gesang verstärkt ausgedrückt und dargestellt.

Die Geschichte erzählt von vier Flüchtlingen, die ihre Heimatländer auf Grund von Neuerungen der Gesetze verlassen mussten und sich auf der Flucht befinden. Sie alle finden Unterschlupf in einem Schloss. Dort lernen sie den Grafen, der die Zuschauer durch den Abend führt, kennen. Mit der Zeit beginnen sie sich wohler zu fühlen und die Stimmung verbessert sich. Sie versuchen ihre Sorgen ein wenig zu vergessen. Doch plötzlich hören sie Soldatengetrappel, und Panik bricht aus. Sie wissen, dass dies nun alles bald ein Ende haben wird. Melancholie und Traurigkeit macht sich breit.

Der Graf untermalt alle diese Emotionen, die dargestellt werden mit literarischen Auszügen und hilft damit dem Publikum die Situationen deutlich zu verstehen.

Es singen vier StudentInnen (Maite Cathérine de Wit, Annamaria Kászoni, Anete Liepiņa und Frédéric Pfalzgraf) verschiedener Musikhochschulen Wiens. Sie werden von zwei Pianisten (Mario Grubhofer und Katharina Büttner) musikalisch begleitet. Die Pianisten haben auch eine Rolle in der Vorstellung und gehören damit zum Ensemble.

"Fressen und Ficken - Es lebe der Hedonismus! Wenn er auf Dauer nicht so unbefriedigend wäre."
Homeparty. Alkohol. Sex. Je höher die Alkoholmenge, desto größer die Frage nach Bedeutung. Je unbefriedigender die Antwort, desto größer der Wunsch nach Sex.
Warum streben wir nach mehr? Nach Ewigkeit, nach Freiheit, nach neuen Lebenskonzepten oder deren Auflösung. Warum wollen wir zu uns selber finden? Anton Kleinfried möchte etwas für die Ewigkeit schaffen. Aber wie? Und wo anfangen?
Probleme die die Welt bewegen. Oder eben nicht.

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Quack, quack, hura, die quackenden Robben sind wieder da. Sie wagen sich ins Rampenlicht und sind ganz erpicht Geschichten zu erzählen

Doch, oh weh, oh weh, kaum sind sie geschlüpft, und auf die Bühne gehüpft. Haben sie das Interesse der Wissenschaft auf sich gezogen und wurden hintenrum betrogen.

In einem Zirkus müssen sie nun dienen ohne dabei viel zu verdienen. Denn sie sind gut bewacht, vom Zirkusdirektor und seiner Übermacht.

Sie werden beforscht, ein Tierexperiment? Eines das ethische Grundsätze kennt? Werden sich die Robben, dem wohl beugen? Oder können sie den Direktor mit ihrer Fantasie überzeugen?

Alles ist ungewiss an diesem Abend, außer der Gewissheit, dass man sich gegenseitig inspiriert und es nicht darum geht wer zu letzt gewinnt oder verliert.
Die quakenden Robben springen wieder auf die Bühne. Spontan werden absurde, traurige, lustige, spannende und tiefsinnige Geschichten improvisiert. Allein, zu zweit, im Chor, in Reimen oder gar in alphabetischer Reihenfolge.

Doch diesmal spielen die Robben nicht nur zu ihrem Vergnügen, sondern unter dem kritischen Auge einer Zirkusdirektorin, die die Robben für wissenschaftlichen Zwecke eingefangen hat und nun probiert sie zu erforschen, zu manipulieren…. Werden sich die Robben das gefallen lassen?

Ein Abend voller Spannung, Spaß und Absurdem an dem einzig und allein gewiss ist, dass alles ungewiss ist.

„Gott frisst keine Cheeseburger.“

Eine Haltestelle in tiefer Nacht. Verschiedenste Menschen treffen aufeinander.
Der Mann vom Würstelstand verliebt sich in die Prinzessin von einem fremden Stern. Drei schräge Tussen versuchen, ihrer drögen Existenz ebenso zu entkommen, wie das neureiche Pärchen, das in sadistischen Tötungsphantasien schwelgt. Ein Dealer verteilt fleißig Pillen, die es echt in sich haben und das Geschehen zusätzlich durcheinander würfeln. Aber auch das Schicksal hält in dieser Nacht Einzug in das Leben der Menschen. Manch einer wird sie nicht überleben und eintauchen in die Welt der Geister.
So findet man sich wieder in einer Nacht voll von Chaos, Liebe und Phantasie, dem Rausch der Droge und jenem des Lebens; einer Nacht erfüllt von Verzweiflung und Hoffnung, Komik und Tragik in einem. Auf einmal scheint alles möglich. Wird der Tod die Zeit überwinden und die menschlichen Grenzen sprengen?

Die Stuthe-Fix Gruppe geht auf die Bühne und die Quakende Robbe lädt zu dieser Impro-Show ein!

Kommt in Scharen und bringt auch eure Freunde mit!

Ich saufe Vodka und ich saufe Rum. Morgens saufe ich Mische und Bier.


Elle ist noch viel verrohter als ich. Er hat ein gruselig glotzendes Glasauge, weil er bei einem Krampfanfall mal ein Messer in der Hand hatte. Er ist schon im Jenseits.


Ulrike, Elles Schwester. Man kann es sogar im Hausflur hören, wenn ihr Vater sein schimmliges altes Männerding in sie hineinsteckt.


Motte.19 Jahre alt. Wohnsiedlungsprostituierte.
Motte hat etwas, was unglaublich viel wert ist hier. Motte hat eine Mission.

Der Griff zur Flasche ist für Darko genauso selbstverständlich wie die Gewalt und die Grausamkeiten in der Plattenbausiedlung, in der er sein Dasein fristet. Die Siedlung – „ein gigantischer Sarg aus Stahlbeton“, von dem aus niemals Sterne zu sehen sind. Vielleicht gibt es die ja auch gar nicht, zweifelt Darko, bis er bei einem unmöglichen Selbstmordversuch der völlig vernarbten und doch „wie ein Stück Himmel schönen“ Motte begegnet. Durch sie wird alles anders, denn Motte hat einen Plan: zuerst den alten Meese erledigen und dann weg. Ab nach Norwegen. Ans blaue, blaue Meer.

So halten Missionen, Träume und Fluchtgedanken Darko, Motte und Ulrike vorläufig am Leben. Doch angesichts des alltäglichen Grauens braucht es nicht viel, den Protagonisten ihr letztes Fünkchen Hoffnung zu rauben und sie in ein tiefes, schwarzes Meer der Hoffnungslosigkeit zu treiben.

Ich glaube, Sterne gibt es nur im Märchen.

Nis-Momme Stockmann gilt derzeit als einer der vielversprechendsten Nachwuchsdramatiker im deutschsprachigen Raum. Seit Beginn der Spielzeit 2009/10 ist er Hausautor am Schauspiel Frankfurt.

Mit Chiara Ceeh, Martin Thomas Pesl, Sophie Resch, Andrea Winter, Sophie Zwölfer

Inszenierung Marie-Christin Rissinger — Bühne Kristof F. Kepler — Kostüm Juliane Buchroithner — Licht Felix Huber — Maske Brigitte Schima — Dramaturgie Martina Maggale — Regieassistenz Julia Schafhauser, Vera Maria Jung — Produktionsleitung Miriam Kunodi — Produktionsassistenz Sarah Hoidn — STUTHE Betreuung Marcus Saravia

von Martin Thomas Pesl

Eine Frau findet einen schimmelnden Pfennig auf der Straße und hebt ihn auf.

Eine andere Frau beobachtet die Frau, wie sie den schimmelnden Pfennig findet und ihn aufhebt. Während die Frau mit dem Pfennig in der Hand in Gedanken versunken weiter geht und dabei von der anderen Frau verfolgt wird, macht sich ein Autor zu seiner Preisverleihung ins Theater auf. Zu diesen Personen addiere man noch einen einbeinigen Kioskverkäufer, bei dem die Frau mit dem Pfennig als kleines Kind stets Bonbons gekauft hatte und der nun die gleichen Bonbons zur Preisverleihung des Autors liefern soll, sowie einen rosa Flamingo auf einem Plakat bei dem Kiosk, hinter dem sich die andere Frau versteckt, und die Hauptelemente des Stücks sind benannt.

Die Personen denken, während sie gehen; sie sprechen sich an, wenn sie einander treffen. Dann verlieren sie sich wieder, allein weiter grübelnd und verstecken sich, hinter mit Flamingos bemalten Säulen.

von und mit Armen und Beinen

hört aktuelle Körperbilder.sieht Körpergeräusche.fühlt den Nicht-Körper.schmeckt androgyn .riecht nach Geist.

Auf experimentelle künstlerische Weise bearbeiten wir das „Material der eigenen Existenz“ (Helmuth Plessner): den Körper.
Denn mit dem Körper plagen wir uns, erfreuen uns, genießen ihn oder kämpfen gegen ihn alltäglich. So erkunden wir ihn zuerst in den Proben und dann weiter in den Aufführungen mit dem Publikum.

Was du schlussendlich bei den Aufführungen sehen wirst, ist noch nicht da, aber es entwickelt sich immer mehr - nachzuverfolgen auf unserem Probenblog!

Lass deinen Körper ver-/ent- zaubern!

Viel Spaß wünscht euch das kopflose, beinharte und arme K-Kubik.

Mit: Erika Büttner, Marc Drechsel, Teresa Millesi, Elif Sözer, Alexander Tilling, Isaak Waibel, Daniela Zacherl

Konzept und Regie Florian Bögner — Produktion Daniela Kerezsi, Franziska Schinnerl — Produktionsbegleitung/STUTHE Magdalena Scholz

nach Arthur Schnitzler
für die Bühne bearbeitet von Andrea Imler

„Die Luft ist wie Champagner.“

Andrea Imler hat Arthur Schnitzlers zeitlos-aktuelle Monolognovelle Fräulein Else für die Bühne adaptiert.

Wir sehen die letzten Stunden einer jungen Frau, die allein gelassen ihren Gedanken ausgeliefert ist. Um den Schein einer gutbürgerlichen Existenz zu wahren, drängt die Mutter Fräulein Else während eines Ferienaufenthaltes den reichen Herrn von Dorsday um eine große Summe Geld zu bitten. Er willigt ein das Geld unter einer Bedingung zur Verfügung zu stellen: Er möchte Else nackt sehen.

„Die Dunkelheit starrt herein. Wie ein Gespenst starrt sie herein.“

Else weiß nicht, ob und wie sie Dorsdays Forderung nachkommen soll. Der innere Monolog gibt dem Zuschauer Einblick in ihre Gedankengänge. Naive Irrationalität, einsame Melancholie, Sehnsucht, Verzweiflung und Verlangen treffen auf einen klaren Blick, der das egozentrische Begehren der Männer ebenso durchschaut wie die Lebenslügen einer privilegierten Gesellschaft und die Brüchigkeit der familiären Idylle.

Die Welt des Fräulein Else existiert losgelöst von Zeit und Raum, sie zerfällt, löst sich auf. Auf der Suche nach Identität und Selbstbestimmung stößt sie an die Grenze des eigenen Bewusstseins. Sie zerbricht an einer Gesellschaft, die den Weg zu einem frei bestimmten Leben versperrt.

„Es ist schön ohne Bewusstsein zu sein.“

Fräulein Else Daniela Zacherl — Dorsday Kai Krösche — Paul Sebastian Schley — Cissy Sophie Prusa — Tante Miriam Torwesten

Inszenierung Andrea Imler — Dramaturgie Olga Buchhorn, Berit Paschen — Bühne Nina Salak — Kostüme Roshi Porkar — Musik Kai Krösche, Sebastian Schley — Maske Katrin Hupf, Cornelia Rom — Regieassistenz Florian Bögner — Bühnenassistenz Vero Tupy — Kostümassistenz Theresa Höller — Produktionsleitung Elisabeth Gamperl — Produktionsassistenz Joanna Przadka — Produktionsbetreuung/STUTHE Catharina Kleber

Es ist wie der Morgen nach einer WG-Party: Drinnen herrscht noch Chaos, die Vorhänge bleiben zu aus Angst vor dem Licht und die Welt vor dem Fenster sieht gefährlich und unerreichbar aus. Und dann beginnen die Gespräche, die sich immer im Kreis drehen und nie wirklich weiterentwickeln: immer wieder die selben Geschichten mit verschiedenen Personen. Es ist ein seltsames kleines Biotop, welches zusammengehalten wird von Unsicherheit und Zukunftsängsten.

Beckett lässt seine Figuren in einem Gefängnis von Unsicherheit leben. In deren Mitte: ein Machtspiel zwischen Hamm und seinem Diener Clov. Sie sind voneinander abhängig und doch alle gleichermaßen machtlos.

Wir zeigen eine Welt, die sowohl von der Uni, als auch vom ersten richtigen Job geprägt ist. Umringt von Familientreffen, bei denen man wie ein Kind behandelt wird, und der großen Liebe, die zu eigenen Kindern, Ehen oder auch einfach gemeinsamen Wohnungen führt. Ein Balanceakt auf der Schwelle zwischen Taschengeld von Papa und einem eigenen Einkommen, das Essen und Miete decken kann.

Ende, es ist zu Ende, es geht zu Ende, es geht vielleicht zu Ende: unsere inhärenteste Angst, doch auch eine ständig schwelende Hoffnung. Hilft aber alles nichts: The show must go on - and it will...

Hamm Tobias Becker — Clov Thomas Weilharter — Nagg Sarah Gaderer — Nell Stefanie Gmachl

Inszenierung Catharina Kleber — Bühne Brigitte Schima — Kostüm Hanna Huber — Tonkonzept Marcus Saravia — Musik, Ton und Grafik Moritz Scharf — Licht Florian Geschl, Clara Zeiszl — Dramaturgie Martin Thomas Pesl, Silvio Heinze — Maske Maria Hösch, Katharina Sophie Liebherr — Choreografie Elisabeth Leopold — Regieassistenz Magdalena Scholz — Bühnenassistenz und Requisite Johanna Lindinger, Alice Zeißl, Maria Zeßner — Lichtassistenz Magdalena Bauer — Produktionsleitung Susanne Hammer — Produktionsassistenz Manuela Obermaier — Produktionsbetreuung/STUTHE Miriam Kunodi

In diesem bescheidenen und beileibe unscheinbaren Leben habe ich so viele Wirklichkeiten geschaut, dass ich darin meine eigene niemals entdecken konnte.


Drei Männer an einem Ort jenseits der Zeit und aller Orte: Ohne Ausweg fristen sie dort ihr Leben gemeinsam – seit ein paar Stunden vielleicht, oder seit ein paar Jahren.

Die Absurdität ihrer Lebenssituation spiegelt sich in ihrem Seelenleben und umgekehrt - der Mensch am Rande seines selbstbestimmten Seins, getrieben von quälenden Zweifeln an der Möglichkeit einer sinnvollen menschlichen Existenz.

oratio Daniel Dawla — Emil Sebastién Hansen — Der Namenlose Georg Blume — Die barbiehaften Containertransvestiten Marc Drechsel, Thorben Rath — Die Ostblocknutte und der Clown Cornelia Fischberger, Tobias Becker — Indigeno Rilo Ascue

Inszenierung Antje Lomer — Ausstattung Miriam Frühstück, Anna de Mink, Anna Wagner — Lichtdesign Clara Zeiszl — Beleuchtung Andreas Bindner — Musik und Ton Georg Blume, Christian Url — Produktionsdesign Severin Dostal, Philipp Blume, Georg Blume — Regieassistenz Sophia Burtscher — Produktionsleitung Anne Eck — Produktionsbetreuung/STUTHE Martin Thomas Pešl

Was kann ich wissen?
Was soll ich tun?
Was darf ich hoffen?
Was ist der Mensch?

Die vier kantischen Fragen weisen die Richtung, lauern unter der Oberfläche eines jeden Wortes, kratzen an der Illusion. Sie treiben die Figuren des Stückes in eine schonungslose Auseinandersetzung mit der eigenen Existenz.

Das nahende Ende vor Augen, die Auflösung aller sogenannten Wahrheiten im Nacken – wer wird für sich einen Weg finden?

In diesem bescheidenen und beileibe unscheinbaren Leben habe ich so viele Wirklichkeiten geschaut, dass ich darin meine eigene niemals entdecken konnte.


Drei Männer an einem Ort jenseits der Zeit und aller Orte: Ohne Ausweg fristen sie dort ihr Leben gemeinsam – seit ein paar Stunden vielleicht, oder seit ein paar Jahren.

Die Absurdität ihrer Lebenssituation spiegelt sich in ihrem Seelenleben und umgekehrt - der Mensch am Rande seines selbstbestimmten Seins, getrieben von quälenden Zweifeln an der Möglichkeit einer sinnvollen menschlichen Existenz. 

Was kann ich wissen?
Was soll ich tun?
Was darf ich hoffen?
Was ist der Mensch?

Die vier kantischen Fragen weisen die Richtung, lauern unter der Oberfläche eines jeden Wortes, kratzen an der Illusion. Sie treiben die Figuren des Stückes in eine schonungslose Auseinandersetzung mit der eigenen Existenz. 

Das nahende Ende vor Augen, die Auflösung aller sogenannten Wahrheiten im Nacken – wer wird für sich einen Weg finden? 

Horatio Daniel Dawla — Emil Sebastién Hansen — Der Namenlose Georg Blume — Die barbiehaften Containertransvestiten Marc Drechsel, Thorben Rath — Die Ostblocknutte und der Clown Cornelia Fischberger, Tobias Becker — Indigeno Rilo Ascue

Inszenierung Antje Lomer — Ausstattung Miriam Frühstück, Anna de Mink,Anna Wagner — Lichtdesign Clara Zeiszl — Beleuchtung Andreas Bindner— Musik und Ton Georg Blume, Christian Url — Produktionsdesign Severin Dostal, Philipp Blume, Georg Blume — Regieassistenz Sophia Burtscher — Produktionsleitung Anne Eck — Produktionsbetreuung/STUTHE Martin Thomas Pešl

von Martin Thomas
ergänzt durch Texte von Marion Guerrero und Jorghi Poll

Man steht an der Schwelle zu einem neuen Zeitalter.
Das Weihnachtsfest hat sich abgenutzt.
Man feiert es trotzdem.
Und in diesen instabilen Zeiten klopft ein Weihnachtsengel an der Tür...

Die STUTHE gibt eine Weihnachtsfeier mit Lesung

mit der Urlesung des Weihnachtsstückes "This Christmas" von Martin Thomas,
Texten von Marion Guerrero und Jorghi Poll,
Keksen von Martina Maggale u.a.
und Punsch auf Wunsch (und nach Bezahlung) vom Kolar.

Absurder Abend mit Texten von 
Georg Blume, Bruno Corra, Arnaldo Ginna, 
Eugène Ionesco, Franz Xaver Kroetz und Emilio Settimelli

Sprechende Tiere – Menschen, die sich in solche verwandeln – Fluchen und Kotzen auf der Bühne – ewige Stille – ewige Monologe – viel Lärm um nichts?

Das absurde Theater als Phänomen, das hauptsächlich im französischen Sprachraum im letzten Jahrhundert auftauchte, ist ein Begriff der Theatertheorie geworden. Aber vieles, was heute auf den Bühnen gezeigt wird, nennt mancher Theaterbesucher kopfschüttelnd „absurd“, ohne dabei an Tardieu oder Beckett zu denken.

Wir möchten an diesen Abenden Texte präsentieren, die irgendwo dazwischen liegen. Im Zentrum steht der neue Text von Georg Blume, "treibgut", der im Dezember bei der STUTHE zur Uraufführung gelangt. Absurderweise ist dieser stilistisch und inhaltlich reichlich nah am späten absurden Theater von Beckett und Freunden.

Um euch nun diesen Theaterabend im Dezember ein bisschen schmackhaft zu machen, zeigen wir daraus ein paar Szenen. Texte aus dem absurden Theater sind besonders geeignet, diese zu umrahmen – und zwar sowohl Texte von Autoren wie Ionesco und Co. als auch von Autoren, bei denen man manchmal nur noch sagen kann: „Absurd....“, und sich fragen, was Hitler-grüßende Adler und fluchende Könige wohl über unsere Welt aussagen... oder auch nicht aussagen.

Doch die Adler sind nur der Anfang für diesen amüsanten Abend, an dem wir vieles tun werden ... nur nicht auf Godot warten!

Der Fernseher zeigt nie das, was du sehen willst?!? Bei unserer Improshow passiert das nicht!

Gemeinsam springen wir durch die verschiedenen TV-Genres, und im Gegensatz zum Fernsehen ist bei uns alles live, die Schauspielenden zum Anfassen und du kannst mitbestimmen, wie sich eine Szene entwickelt.

Denn alles entsteht im Moment, war noch nie da und wird so auch nie wieder erzählt werden.

So, du weißt jetzt trotzdem nicht, was auf dich zukommt? Keine Sorge, wir auch nicht. Lass dich überraschen, am 16. Juni um 20 Uhr im Schikaneder!

Impromadrid zu Gast in Wien

Das ist Improvisationstheater à la Johnstone: Die Teilnahme der Besucher und der Moment stehen an vorderster Stelle. Jedes improvisierte Stück ist eine neue Herausforderung, mit ganz eigenen Regeln.

Ihr, das Publikum, dürft so gut wie alles selbst bestimmen, und die drei Jungs aus Madrid zeigen euch eine völlig neue Welt, die man auch versteht, wenn man Spanisch nicht versteht.

Denn wenn sie eins können, dann mit nichts viel zeigen.

von Samuel Flury

Das Stück handelt vom Wiedersehen einer Frau und eines Mannes, die vor sieben Jahren ihre Beziehung beendet haben. In der räumlichen Enge eines Fahrstuhls gefangen, beginnen die Mechanismen von Macht und Abhängigkeit, die zum Ende des Zusammenseins geführt haben, sofort wieder zu greifen. So scheint sich die Relativität der Zeit zu beweisen und wird nur kurz vom Wartungsdienst der Aufzugsfirma und einem Handy unterbrochen. Als sich die Türen des Aufzugs wieder öffnen ergreifen beide die Chance zur Flucht und/oder zur Selbstrettung.


Das Stück "Ein Wiedersehen" vom jungen Autor Samuel Flury wird hiermit zur Ur-Lesung gebracht.

Er Bernhard Kobler — Sie Lydia Nassall — Aufzugsstimme Stefan Loibner

Einrichtung Tommi Horwath, Samuel Flury — Produktion Catharina Kleber

William Shakespeare ist uns allen mehr oder weniger ein Begriff. Wenn man diesen Abend gesehen hat, kennt man alle seine Stücke bis ins kleinste Detail. Oder zumindest fast. Die Begründer der "Reduced Shakespeare Company", Adam Long und Jess Winfield haben das wahnwitzige Unterfangen gestartet, Shakespeares gesammelte Werke in eine 90 minütige Parodie zusammenzufassen, um dem Zuschauer eine Art Crashkurs in Sachen Shakespeare zu verpassen.

Was also passiert, wenn nur 4 Schauspieler die Aufgabe haben, sämtliche Charaktere aus 37 Theaterstücken zu spielen? Da kann es schon passieren, dass Romeos Julia mit ihren männlichen Reizen geizt oder die Königsdramen zum Fußballmatch werden.

Die STUTHE stellt sich dem Unterfangen, Shakespeares sämtliche Werke in weniger als zwei Stunden unterzubringen, mit spritzigen Ideen. Chaos, Improvisation und jede Menge Unterhaltung sind dabei auf alle Fälle vorprogrammiert...

Mit Martin Kröß, Veit Messerschmidt, Kostas Papageorgiou, Martin Thomas Pešl

Regie Sandra Keplinger — Ko-Regie Roland Mückstein — Ausstattung Juliane Buchroithner, Brigitte Maresch — Licht Julius Hubik — Dramaturgie Florian Haslinger — Maske Stephanie Zimmermann — Produktionsleitung Joanna Przadka — Produktionsbetreuung/STUTHE Erika Büttner

Am Anfang liegt die Welt in Scherben. Und er, dessen Verzweiflung wir Zeuge werden, steht einen Schritt vor dem Abgrund. Doch das Unmögliche geschieht: Suchend nach einem Ausweg, findet dieser junge Mann ihn in der Konzentration aller seiner Sinne auf einen Gegenstand – einen Stuhl.

"Werkstattbericht", das erste Theaterstück des jungen deutschen Schriftstellers Philipp Roos, ist ein zutiefst menschlicher, verzweifelter Gang an die Grenzen des Menschenmöglichen: ein Ausloten des Nachdenkens, (beinahe) pathologischer Natur, eine Verirrung und ein Vorstoßen in gedankliche Gefilde, die dem verletzlichen Menschen in letzter Instanz nur den Wahnsinn – oder vielleicht doch: Hoffnung bringen können.

In ihrer neusten Inszenierung versuchen die Regisseure Kai Krösche und Kolja Burgschuld, einen Abend zu schaffen, der an die Grenzen geht und darüber hinaus; eine intensive Choreographie aus Sprache, Körper, Ton, Licht und Bühne - und einem schlichten Holzstuhl.

Es spielte Claudius von Stolzmann, auch zu sehen als Benjamin in "Die Reifeprüfung" am Volkstheater Wien.

Mit Claudius von Stolzmann

Inszenierung Kai Krösche, Kolja Burgschuld — Bühne Kristof F. Kepler, Matthias Krische — Lichtkonzeption Florian Geschl — Ton und Beleuchtung Juan José Pezzutti — Projektion / Artdesign Primin Hagen — Dramaturgie Philipp Roos — Produktionsleitung Katharina Rumpold — Produktionsbetreuung/STUTHE Jorghi Poll

von Raymond Cousse

Ein Schwein denkt nach. Ein gewöhnliches Schwein, mit fast menschlichen Zügen. Und dieses gewöhnliche Schwein denkt in seinem Stall über den Sinn des Lebens nach. Mit menschenunähnlicher Würde erwartet es seine Schlachtung und entdeckt dabei seine Wichtigkeit - für die Menschheit und für die Marktwirtschaft.

Ein gewöhnliches Schwein ist aber nicht zur Revolte gegen die Schlachtung fähig und auch für dieses Schwein würde sie nie in Frage kommen. Denn: Jeder soll seinen Zweck erfüllen so gut es geht.

Tja, Schwein muss man sein - oder es zumindest haben. Welches der beiden nun das größte Glück ist, bleibt jedem selbst zu entscheiden.

Helge Salnikau, vielen bekannt aus vergangenen STUTHE-Produktionen wie "Rattenkinder", "Fette Männer im Rock" und diversen Impro-Shows, spielt dieses Schwein in einer One-Man-Show mit Erzählerin.

Eine ganz kleine Tragikomödie mit ganz großer Bedeutung. Ein Schwein eben, das die Welt versteht. Oder zumindest glaubt es zu tun.

An großen Theatern mit für unsere Verhältnisse riesigen Budgets spritzt zur Zeit das Blut in fast jeder Inszenierung. Oft ist die erste Reihe nicht sicher vor den Strömen, die sich die Schauspielenden über den Kopf schütten und aus Wunden und verschiedenen Körperöffnungen triefen lassen. Für manche, die zusehen, ist diese Erfahrung grausam, ekelerregend und beklemmend oder aber aufregend, fesselnd und geil. Für uns als Mitwirkende an winzigen Produktionen ohne Budget ist es vor allem eifersuchttreibend. Der Kiefer will nicht an seinem Platz bleiben, wenn wir das dunkelrote Gold dahinrinnen sehen, denn wir wissen: Theaterblut ist teuer.

Und doch möchten wir mit Texten arbeiten, die eigentlich nach aufwändigen Bühneneffekten schreien. So zum Beispiel Christopher Marlowes „Das Massaker von Paris“, das mit 18 Leichen eines der blutigsten Stücke der Theatergeschichte ist. Es handelt von Betrug und Verrat im französischen Königshaus und von der Abschlachtung hunderter unschuldiger Protestanten durch die katholische königliche Familie. Wir nehmen das alles etwas leichter und inszenieren es – umrahmt von blutrünstigen Gedichten – als Tanz um das Leben. Nebenbei erklären wir noch die komplexe Geschichte, die dieses Stück trotz allem Mord und Totschlag auch noch erzählt. Dabei übernehmen 9 Darsteller/innen die 35 Rollen in einem Chaos aus Figurentausch, Requisitenschummel und, natürlich, dramatischen Bühnentoden.

Texte:
"Aschenbrödel" von Roald Dahl,
"Das Massaker von Paris" von Christopher Marlowe
und
"Kleine Aster" von Gottfried Benn

"Ztgs. telegramme aus Berlin. Reigenpremiere - trotz in letzter Stunde erlassenen gerichtl. Verbotes. Rede der Eysold; - ihr u Sladek 6 Wochen Haft angedroht. Publicum demonstrierte für mich."
Tagebucheintrag von Arthur Schnitzler am 24.12.1920

10 Sexszenen hintereinander.
Was vor knapp hundert Jahren noch einen Skandal auslöste, entlockt uns heute kaum mehr ein müdes Lächeln. Dank 68? Nicht nur!

Von der Veränderung des Umgangs mit Sexualität im 20. Jahrhundert kann jedoch bei der Beschäftigung mit dem Reigen - heute - nicht abgesehen werden. Trotzdem ist der Reigen mehr als ein Stück übers Ficken und über Doppelmoral.

Die zehn Charaktere ziehen sich durch die verschiedensten gesellschaftlichen Schichten, die nicht nur idealtypisch die Einwohner Wiens während der Jahrhundertwende widerspiegeln, sondern sich auch heute noch äquivalent finden lassen. Die Dialoge werden durch diese gesellschaftliche Stellung, welche der jeweiligen Person einen ganz bestimmten Status verleiht, mitbestimmt.

Doch nicht nur die vordefinierten Rollen legen die Kommunikation zwischen den beiden Personen und somit das Machtgeflecht zwischen ihnen fest, auch der Sexualtrieb und die Vorstellungen von Moral werden zu Machtinstrumenten, die wiederum die Kommunikation der beiden Partner strukturiert. So ist das Machtverhältnis zwischen den zwei handelnden Personen über den Dialog hinweg dynamisch.

Schnitzler öffnete, obgleich zögerlich, mit dem Reigen als einer der ersten der Sexualität den Weg auf die Bühne, brachte sie aus dem verdunkelten Hinterzimmer an die Öffentlichkeit.

Auch heute immer noch Thema: Macht und Sexualität, Sexualität und Macht.

Dirne Iris Maria Stromberger — Soldat Martin Thomas Pesl — Stubenmädchen Eva Platzer — Junger Herr Stephan Hellweg — Junge Frau Lisa Weber — Ehegatte Christoph Wilke — Süßes Mädel Miriam Kaser — Dichter Matthias Haldimann — Schauspielerin Andrea Winter — Graf Aaron Salzer

Regie Marie-Christin Rissinger — Bühne und Licht Lisa Weiß, Constanze Bornemann — Kostüm und Maske Miriam Frühstück — Ton Moritz Scharf — Projektionen Marcus Saravia — Dramaturgie Josef Prenner — Regieassistenz Achim Ferrandina, Nora Korber, Hanna Leuchs — Kostümassistenz Bukurije Zendeli — Maskenassistenz Lilia Kress — Produktionsleitung Florian Haslinger — Multimediabetreuung und Produktion Servet Sari — Pressebetreuung Georg Kessler — Produktionsbetreuung/STUTHE Miriam Kunodi

Lingua Franka von Claudia Tondl
Franka versucht, aus den eng gesteckten Grenzen der Alltagskommunikation auszubrechen und findet letztlich nur einen Weg: den in ihre Phantasie.

Die Unzertrennlichen von Markus Grundtner
In dem hermetisch abgeschlossenen Raum eines Biotops kämpft ein Wissenschafter um das Überleben einer Vogelgattung, bis ein Eindringling von außen Unruhe in das Leben mit seiner Frau und den Vögeln bringt.

Die Grenze übertreten. Von mir zu dir zum uns.
Wir uns als Zweiheit.
Wie der Schatten, der in das Leuchten der Kerze eingebrannt ist."

H Sophie Zwölfer — Z Kai Wichmann

Regie Astrid-Marie Reinprecht — Bühnenbild Maria Eberhardt, Karo Hogl — Kostüme & Maske Juliane Buchroithner — Musikkomposition & Ton Georg Blume, Christian Url — Ton Georg Blume — Lichtregie Florian Geschl — Videoprojektion & Promotiondesign Sandra Keplinger — Dramaturgie Berit Paschen — Regieassistenz Martin Kröß — Beleuchtung Katharina Wallerits — Produktionsleitung Katharina Rumpold — Produktionsassistenz Emily Steward — Produktionsbetreuung/STUTHE Matthias Krische

"Nukleus": Das sind zwei Elemente (die Figuren Z und H), die einander magnetisch anziehen. Zwischen denen leidenschaftliche Funken sprühen. Und deren gegenseitige Anziehung letztendlich eine so intensive Reibung erzeugt, dass beide zu einem einzigen Kern - zum Nukleus - verschmelzen.

Zwei Personen - oder doch eine Einheit von dreien? - werden uns im Verlaufe des Abends begegnen. Ihre Kämpfe um die Liebe führen sie mit sich selbst, gegen sich selbst, für ein "wir", das die Voraussetzungen des "ich" und "du" auszulöschen droht. Ihre Auseinandersetzungen um die Sehnsucht nach Auflösung im Gegenüber, das Spiegel und Heimat sein soll, zerreißen die Grenzen zwischen ihnen.

Die Spannung, die sich daraus ergibt, dass Liebe und Individualität für nicht vereinbar gehalten werden, untergräbt die Poetik der Sprache und hinterlässt ein Gefühl der Eingeengtheit im mauerlosen Raum der Figuren Z und H, an dem man nur am Fenster stehend frei atmet.

"Wenn wir nur dieses Gestern vergessen könnten. An
dieser Grenze zwischen dem was war und dem was ist,
halt machen. Genau dort.
Ein du im ich im wir. Und du zu mir zum ich zurück."

Zum Semesterschluss gallopiert die neue Stuthe-Impro-Gruppe auf die Bühne des Initiativenraums im WUK. Spontan, riskant, impulsiv, , komisch, emotional und hinreißend wird die Stuthe-Impro, mit dem Titel "Fohlen fliegen " eine Show auf die Beine stellen, die sie noch nie gesehen haben und auch nie wieder sehen werden. Ein einzigartiges "improvisiertes" Erlebnis!

Gespielt wird klassischer Theatersport nach dem Konzept des „Micetro“ von Keith Johnstone. Ganz nach dem Motto- es kann nur einen geben- fliegt ein junges Fohlen nach dem anderen raus bis der „Micetro“ übrig bleibt und den Abend mit einer Soloszene abrundet.

Theater hat viele Bestandteile. Was der Zuschauer zu sehen bekommt, ist oft nur der Bruchteil einer komplexen und intensiven Zusammenarbeit zwischen den unterschiedlichsten Bereichen.

Der STUTHE-Workshop auf Schloss Albrechtsberg bietet jungen Menschen, Nachwuchskräften und Theaterinteressierten die Möglichkeit, einen Einblick zu bekommen, was hinter der Bühne passiert und sich aktiv daran zu beteiligen.

Innerhalb von nur vier Tagen wurde vom 9. bis 12. Juli ein komplettes Stück auf die Beine gestellt, eine Bühne gebaut, Licht, Ton und Projektionen erarbeitet, Kostüm, Maske sowie Requisiten kreiert und das alles in engster Zusammenarbeit mit der Regie und den Schauspielern, die im gleichen Moment mit ihren Proben beginnen.

Ein ganzes Stück in vier Tagen – unmöglich? Nein, denn intensiver Einsatz, unermüdliche Kommunikation und eine gute Logistik sind der Schlüssel zum Erfolg.

Zum Stück:
Seit Jahrhunderten haben sich in der Umgebung des Schlosses einige seltsame Sagen erhalten, die immer wieder erzählt werden. Geprägt vom Aberglauben und dem Misstrauen der Einheimischen zieht der Nachfahre des früheren Adelsgeschlechts in das Schloss seiner Vorfahren und geht dem Gerede über seine Familie und dem beharrlichen Gerücht über Ratten im Gemäuer auf den Grund...

Die Priorei war wegen ihrer bizarr zusammengewürfelten Bauweise vielfach fach-wissenschaftlichen Betrachtungen unterzogen; einer Architektur, die düstere gotische Türme aufwies, dessen Fundamente wiederum aus einem früheren Stil – oder aus einer Mischung früherer Stile – bestand, römisch oder gar druidisch der kymrischen Epoche, wenn man den Sagen und Legenden vertrauen will. Architekten und Altertumsforscher begeisterten sich an diesen unglaublichen Relikten in Staub zerfallener Jahrhunderte, aber die Menschen der umliegenden Bauerndörfer haßten sie, hatten diesen sinistren Ort schon gehaßt, als meine Vorväter hier lebten, und hassen ihn noch heute, da er bedeckt von Moder und wilden Moosen in ghoulischen Träumen dahindämmerte – ein Anblick grauenhaftester Verlassenheit.

Walter de la Poer Kostas Papageorgiou — Miss Thornton Katrin Hammerl — Edward Norrys Georg Hufgard — Dr. Trask Stephan Werner — Miss Brinton Antje Lomer

Regie Robert Koukal, Julia Gröblacher, Astrid-Marie Reinprecht, Marie-Christin Rissinger, Theresa Sparwasser, Piotr Szkwarek — Bühne Kristof F. Kepler, Matthias Krische, Erika Büttner, Bettina Guggenberger, Leander Kriconis, Lydia Sciri, Sarah Strachel — Kostüme Juliane Buchroithner, Tina Hildenbrandt, Brigitte Schima — Requisite Juliane Buchroithner, Hannah Kunodi, Victoria Reiffenstein, Anna Stoß, Anna Wagner — Licht Florian Geschl, Anna-Sophie Fritz, Nathalie Russegger, Katharina Wallerits — Projektion Marcus Saravia, Eva Erber, Florian Gehrer, Bernd Ries, Daniel Saravia, Michael Zeindlinger, Agnes Zenker — Ton Georg Blume, Martin Kröß, Brigitte Maresch, Anna-Lena Rode, Florian Sabary, Aaron Salzer, Lena Wiesbauer — Maske Brigitte Schima, Georg Kessler, Lilia Kress, Barbara Schenter, Magdalena Scholz, Stephanie Zimmermann — Dramaturgie Jorghi Poll — Küche Catharina Kleber, Martina Maggale, Christoph Molin-Pradel, Martin Zeilinger — Produktion Karoline Hartel, Miriam Kunodi

Zum Semesterschluss gallopiert die neue Stuthe-Impro-Gruppe auf die Bühne der Drachengasse. Spontan, riskant, impulsiv, , komisch, emotional und hinreißend wird die Stuthe-Impro, mit dem Titel "Fohlen fliegen " eine Show auf die Beine stellen, die sie noch nie gesehen haben und auch nie wieder sehen werden. Ein einzigartiges "improvisiertes" Erlebnis!

Gespielt wird klassischer Theatersport nach dem Konzept des „Micetro“ von Keith Johnstone. Ganz nach dem Motto- es kann nur einen geben- fliegt ein junges Fohlen nach dem anderen raus bis der „Micetro“ übrig bleibt und den Abend mit einer Soloszene abrundet.

Suzannes Geliebter stirbt. Dieses Ereignis stürzt die junge Frau in einen Strudel aus Trauer und Identitätsverlust, bis sie eine Strategie entwickelt, mit ihrer Ohnmacht umzugehen: sie wird zum Mann.

Zwischen den Geschlechtern stehend befragt, enttarnt und seziert sie die Geschlechterordnung, die Geschlechterbilder und deren Auswirkungen auf das moderne Individuum. So ein modernes Individuum verkörpert zum Beispiel Églatine, Suzannes Spiegelfigur, die sich mit Haut und Haar der Perfektion ihres Seins durch die Mode- und Unterhaltungsindustrie verschreibt und an den brutalen Anforderungen der Weiblichkeitsindustrie zerschellen muss. In ihrem Scheitern landet sie schließlich in Suzannes Armen – die Situation eskaliert.

Inszenatorisch soll durch den Kunstgriff, beide Figuren abwechselnd und überlappend von zwei Schauspielerinnen darzustellen, der Verortung als Einzelschicksal entgegengewirkt werden – gespielt wird mit Geschlechterrollen und –bildern genauso wie mit dem Medium Theater selbst, wenn Umbauten, Kostüm- und Rollenwechsel mitten auf der Bühne passieren.

Suzanne, Égladine Tatjana Velimirov, Dessi Urumova

Inszenierung und Bühnenfassung Veronika Krenn — Bühne Eva Gantar — Komposition Philipp Schneider-Siemssen — Sounddesign Raimund Hornich — Kostüm Brigitte Schima — Projektion Marcus Saravia — Video Ronald Unterberger — Licht Florian Geschl — Ton Martin Kröß — Grafik Dunja Radler — Regieassistenz Marion Guerrero, Nathalie Russegger — Technik Sebastian Schreiner, Johannes Preis — Produktionsleitung Julia Gröblacher — Produktionsassistenz Leila Müller — PR Sabine Loran — Produktionsbetreuung/STUTHE Sandra Keplinger

Franz heißt sie willkommen, sie und ihre Freizeit, entspannen sie sich, lehnen sie sich zurück, frei wie ein Vogel! Vollgas im Moment, zeitlos, frei.

Die STUTHE und drei andere Gruppen erarbeiten sich die große Freiheit im Jubiläumsjahr 2008.

mit Andrea Außerlechner, Paulus Fischer, Caroline Heinecke, Karoline Krieger, Teresa Kuna, Julian Palacz, Aaron Salzer, Christoph Schmidt

Regie für die STUTHE Stefan Loibner — Bühne und Kostüm Martina Priglinger

"Wie ich mich fit halte? Ich laufe Amok."

Alltag und Widerspruch in der Psychiatrie: Therapeutische Ziele stehen der sozialen Kontrolle durch Einsperrung und Isolation gegenüber. Ist das Ziel der Schutz der Gesellschaft vor den Irren? – Oder ist es gar umgekehrt und die Irren müssen vor der Gesellschaft geschützt werden?

Doch was, wenn den Schutzsuchenden in der vermeintlichen Sicherheit Gewalt angetan wird? Ist auch Fremdbestimmung durch Normen, Regeln, Vorschriften eine Art von Gewalt? Eine Gewalt der wir uns eventuell sogar gerne fügen, um nicht selbst Verantwortung übernehmen zu müssen?
Immer wieder werden Vorwürfe von Gewaltanwendung in psychiatrischen Anstalten laut. Therapeutische Ziele werden verfehlt oder durch medizinische Rationalisierungen, Personalmangel, Stress behindert.

Nicht nur durch Arbeit am Text als vielmehr durch Improvisationen ist eine Variation auf Ken Keseys Bestseller von "Einer flog über das Kuckucksnest" entstanden, die mit umgekehrten Geschlechterrollen spielt.

Andrea Barbara Jansenberger — Dr. Eckhart Markus Glatzl — Sara Monique Ehmann — Agnes Ann Catrin Malessa — Isabella Christina Wintersteiger — Nina Sandra Herout — Anna Catalina Molina — Michaela Maike Ammen — Martina Birgit Etlinger — Krankenschwester Lena Arends — Wolfgang, der Pfleger Sebastian Schley — Dagmar Erika Büttner

Inszenierung Michael Blihall — Bühne Thea Hoffmann-Axthelm — Kostüm und Maske Daniela Raffl — Musik Bernhard Jurjevec — Licht Lisa Weiß, Friederike Schwarz — Dramaturgie Birgit Etlinger — Grafikdesign Johanna Muther, Stefanie Muther — Regieassistenz Marie Sobolewski — Maskenassistenz Bettina Riesenfellner — Bühnenaufbau Tarik Errada, Theresa Sparwasser — Produktionsleitung Joanna Przadka — Produktionsbetreuung/STUTHE Martin Thomas Pesl, Robert Koukal

Yerma heiratet Juan. Sie möchte mit ihm ein Kind haben, dieses groß ziehen, zu dritt aufeinander aufpassen. Doch Yerma wird nicht schwanger. Die Jahre vergehen und ihre Versuche werden verzweifelter und abenteuerlicher – nur der Liebe gibt sie sich nie hin.

Federico Garcia Lorcas „Yerma“ ist ein Stück über Sehnsucht und verzweifelte Hoffnung; über eine junge Frau, die entgegen aller Beweise fürs Gegenteil an ihren einzigen Traum glaubt ein Kind zu haben und sich dadurch endlich als Frau verwirklichen zu können. Aber es ist gleichzeitig ein hoffnungsraubendes Stück, das sich immer mehr in die Verzweiflung hinabwindet um schließlich noch die letzte Möglichkeit für Glück abzutöten.

Dieses unstillbare Verlangen nach einem persönlichen Glück nach eigener Definition lässt Yerma zerbrechen. Sie kann und will es nicht neu definieren, kann und will sich nicht anpassen, besteht auf das, was sie ihr Recht nennt. Ihre Trauer, ihr Versagen, sie sind immer gefüllt mit Träumen. Träume, auf die sie und wir nicht verzichten werden.

Alter Link zu Youtube.

Wenn Wünsche und Hoffnungen so stark werden, dass man sie selber erwürgen muss, ist das der traurigste Moment im eigenen Leben.

Yerma Clara-Maria Köck — Maria Erika Büttner — Alte Karin Pointner — Dolores Roswitha Straka — 1. Mädchen / 1. Wäscherin Anne-Marie Kuhfuß — 2. Mädchen / Frauenmaske Iris Maria Stromberger — 2. Wäscherin Marie-Christin Rissinger — 3. Wäscherin Andrea Poschmaier — 4. Wäscherin Katharina Zingerle — 1. Frau Stefanie Freyer — 5. Wäscherin / 2. Frau Miriam Kaser — Schwägerin Sophie Zwölfer — Juan Martin Thomas Pesl — Victor Kostas Papageorgiou — Männermaske Sebastian Schley — Kind Samuel Grundnigg — Pilger Claus Goettfert, Magdalena Hermle, Andreas Kolbábek, Matthias Lindenthal, Stefan Reiter, Piotr Szkwarek — Cello, Gesang Elisabeth Eber — Cembalo, Gesang Clara Murnig — Gesang, Glockenspiel Katharina Raffelsberger — Geige, Gesang Elisabeth Ruschitzka — Dirigentin Iva Zabkar

Regie Andreas Knabl — Bühne Hannah-Rosa Öllinger — Kostüme Karin Schnitzer — Musik Iva Zabkar — Lichtregie Florian Geschl — Dramaturgie Catharina Kleber — Maske Brigitte Schima — Regieassistenz Clara Stern, Karina Binder — Requisite Milena Wuketich — Garderobe Katharina Schmölz — Maskenassistenz Robert Koukal, Laura Maggale — Beleuchtung Miriam Frühstück, Friedericke Schwarz, Katharina Wallerits, Lisa Weiß — Technische Leitung Florian Geschl — Aufbauteam Markus Januschewsky, Andreas Karobath, Lothar Kottnig, Martin Kröß, Rafael Lata — Produktionsleitung Patrizia Büchele, Stephanie Tesch — Produktionsbetreuung/STUTHE Georg Kessler

Kleines Kast´l und allein... fad vorm Fernseher?!? - Nicht bei unserer Improshow im Großformat!

Wir springen durch die verschiedenen TV-Genres: von Pop bis Schrott über Wissenschaft und Superkraft. Und das Geniale am Zappen ist, dass du selbst bestimmst, was du sehen willst. Nur die Leinwand fehlt, denn wir sind live!

Also, alles lei(n)wand am 18. 12. im Großen Saal des WUK!

Ab 21:30 Uhr wird dann im Foyer Party gemacht!

Der große Valentin hätte seine Freude - hier wird nicht versucht, seine einzigartige Komik nachzuahmen, was ja beinahe fast immer jedenfalls schiefgeht, sondern es wird drauflos paraphrasiert und improvisiert, es wird Unsinn hergestellt und ernstlich verzapft, gesungen und gespielt.

Vollgas! Karl! Valentin!
Don't miss it !!!

Dieser schmutzige kleine Abend im OFF-Theater wird von der STUTHE, der Gruppe Spielzeit, dem Freistiltheater und Imp-Act gestaltet.

mit Andrea Außerlechner, Paulus Fischer, Caroline Heinecke, Karoline Krieger, Teresa Kuna, Julian Palacz, Aaron Salzer, Christoph Schmidt

Regie für die STUTHE Stefan Loibner — Bühne und Kostüm Martina Priglinger

MONTMARTRE - KUNST IM PARK verwandelte vom 31. August bis zum 2. September 2007 den Wiener Türkenschanzpark in ein Kunst- und Kulturfestival für alle Generationen.

Die Veranstalter haben die STUTHE dazu eingeladen, eine Impro-Show auf die Beine zu stellen.

Details zum Programm auf montmartre.at

Da stehen sie nun. Mit dem Flugzeug abgestürzt, finden sich Phyllis und ihr Sohn Bishop auf einer einsamen Insel mitten im Nirgendwo wieder. Der stotternd-schüchterne Junge hat Angst und Hunger und die Mutter Sand in den Schuhen. Eine Katastrophe. Phyllis’ Schminkkoffer füllt die Mägen mehr schlecht als recht, und so zieht Bishop, liebevoll genötigt von seiner Mutter, los, der toten Nonne im Flugzeugwrack einen Arm abzuschneiden.

Die Zeit vergeht. Phyllis verfällt dem Wahnsinn und Bishop mutiert vom kleinen Jungen zur muskulösen Mensch-Maschine, die die Mutter tagsüber mit Essen versorgt, bevor sie sich abends zum Dschungelporno – kreischige Affen, die ekstatisch poppen – selbst befriedigt. Doch "Rettung" naht...

Nicky Silver nennt sein Stück selbst eine Komödie. In dem Stück vermischt sich das Absurde mit einem unüblich tiefschwarzen Humor. Und trotzdem ist da mehr. Im Stück werden hochernste Themen mit einem Galgenhumor behandelt, der in seiner Radikalität seinesgleichen sucht.

Wie weit kann Humor gehen, wie lange kann man lachen, bevor es einem doch die Kehle zuschnürt angesichts dessen, was da gerade passiert?

Zu sehen sein soll eine Inszenierung, die den Zuschauer – hoffentlich – fragend und verwirrt zurücklässt. Keine glatte Oberfläche, sondern Kerben und Einschusslöcher. Und der Abpraller in der Brust des Zuschauers.

Bishop Helge Salnikau — Phyllis Sophie Prusa — Howard / Dr. Nestor Martin Süß — Pam / Popo Martin Christiane Lienhart

Inszenierung Kai Krösche, Kolja Burgschuld — Bühne Kristof Kepler, Matthias Krische — Kostüm Thea Hoffmann-Axthelm, Lisa Storch — Licht und Ton Benjamin Behrendt — Maske Lisa Storch — Leichen Brigitte Schima — Requisite Holle Münster, Anne Schmidt, Sarah Piepereit — Produktion Denise Sumi, Anne Löffler — Grafik Degna Martens — Regieassistenz Maike Ammen — Produktionsbetreuung/STUTHE Christoph Molin-Pradel — Idee Kai Krösche, Kolja Burgschuld

"Wir hätten sollen,

wir hätten müssen."

Der Weltuntergang steht bevor. Schleichend dreht sich die Spirale des Grauens und reißt schließlich nicht nur die Welt, sondern auch Wien in den Abgrund.

Ein Mann und eine Frau werden aus ihrem alltäglichen Trott gerissen, sie bekommen ein Kind, ein sogenanntes „Rattenkind“. „Ein Symptom der Globalisierung vielleicht, mein weiß es nicht.“ Das Kind sieht anders aus, anders als die „normalen“ Kinder und anders als der Vater. Die Fassade der Normalität beginnt zu bröckeln, lang verborgene Instinkte erwachen und am Ende steht die Tat. Oder vielmehr die Tatenlosigkeit, eine Entscheidung nach darwinistischem Prinzip.

Karoline Hartels Inszenierung führt die Gedanken des Textes weiter, konzentriert sich auf die Abgründe einer Zweierbeziehung und stellt die Frage, unter welchen Umständen ein Mensch zum Mörder wird. Ein Mann, der seine Familie tötet, sucht nach einer Erklärung, einer Rechtfertigung für seine Tat. Vielleicht kann ihn nur das Ende der Welt, das Ende seiner Welt, von der Schuld befreien.

Frau Kathrin Wojtowicz — Mann Helge Salnikau — Schlagzeug Frank Fetzer — Gitarre Martin Zeilinger — Cello Lisa Plöchl

Inszenierung Karoline Hartel — Bühne Irina Guldt — Kostüm Vera Schwarz — Musik Michael Jakobi, Martin Zeilinger — Lichtkonzeption Florian Geschl, Karoline Hartel — Dramaturgie Sonja Savoy — Licht- und Tonführung Sebastian Arming — Maske Christina Ernst — Regieassistenz Anna Sophie Weser — Grafik Christoph Lepka — Produktion Miriam Kunodi — Produktionsbetreuung/STUTHE Robert Koukal — Idee Karoline Hartel, Sonja Savoy

Ich bin in den Zoo gegangen,
weil ich mehr darüber erfahren wollte,
wie Menschen mit Tieren leben,
wie Tiere unter sich leben
und Tiere mit Menschen.
- Du siehst, ich suche nach einer Antwort, die es gar nicht gibt. -

Edward Albees erstes Stück war ein riesiger Erfolg für den damals noch jungen amerikanischen Schriftsteller. Ein grotesker, absurder Einakter mit kritischem Hintergrund. Eine seltsame Geschichte, die den Zuschauer auf eine komische Reise ins absurde Ungewisse entführt.

Jeder Mensch trägt (s)eine Geschichte mit sich und ein Jeder ist ein Teil von vielen Geschichten. Wir erleben so vieles in unserem Leben, und diese Ereignisse teilen wir am liebsten mit unseren Liebsten.

Was aber, wenn wir plötzlich einer Geschichte eines Fremden ausgeliefert sind? Was bewirken plötzliche Begegnungen, was lösen sie in uns aus? Tagtäglich begegnen wir auf der Straße unzähligen Mensch für einen kurzen Augenblick. Aber würden wir einfach einen dieser Fremden ansprechen, um ihm unser Leben zu erzählen? Würde dieser Mensch uns überhaupt zuhören wollen?

Das Unerwartete enthält Vieles und vor allem Überraschungen!

Alter Youtube Link.

Peter Martin Thomas Pesl — Jerry Stephan Werner

Regie Helge Salnikau — Bühne Thea Hoffmann-Axthelm — Kostüm und Requisite Juliane Buchroithner — Musik Martin Kröß — Licht Armin Pühringer — Maske Tanja Erhart — Regieassistenz Barbara Schenter — Trailer Christoph Petrik, Christoph Strobl — Produktion Christoph Lepka, Miriam Kunodi — Produktionsbetreuung / STUTHE Marius Hrdy

mit Texten von Markus Grundtner, Marion Guerrero,
Martin Thomas und Lena Wiesbauer

Hereinspaziert in die sinnliche Welt würziger Aromen und merkwürdiger Begegnungen – machen Sie es sich bequem in Baxter’s Kuriosem Kaffeesalon! Nur keine Scheu – treten Sie ein, berauschen Sie sich an wundersamen Erzählungen über absonderliche Gestalten und den Zaubertrank der Morgenstunden, der müde Wangen rosig malt! 

Genießen Sie ein Schälchen Kaffee und lassen Sie sich verzaubern...

Erstaunlich! Verblüffend! Frappant

"Night on Earth"
von Martin Thomas

"Coffee and Cigarettes"
von Marion Guerrero

"Coffee Blues"
von Marion Guerrero/Martin Kröß

"Die unglaublichen Abenteuer von Wels und Wern"
von Markus Grundtner

"Ein melanger Text espresso gesprochen"
von Lena Wiesbauer

(Photos von Arno Mayrhofer)

Dieser zweiteilige Abend beginnt mit saftigen Improspielen zum Warmwerden für Mitwirkende und Publikum. Ein Moderatorinnenpaar fungiert als Schnittstelle zwischen den beiden Fronten.

Nach der Pause improvisiert die STUTHE eine Seifenoper. Zentrum des Geschehens ist die reiche Familie mit all ihren Angestellten, Freunden und Feinden. Die einelnen Rollen und Handlungsverläufe werden vom Publikum bestimmt. So wird sich zeigen was passiert, wie es sich für turbulentes Improvisationstheater vom Feinsten gehört.

Autor/innen der STUTHE lesen eigene Texte

von und mit Pia Clodi, Marion Guerrero, Martina Kiseloski,
Martin Kröß, Jorghi Poll, Adnan Taha und Lena Wiesbauer

14. Dezember 2006
X-Mess Bizarre

Das elisabethanische Zeitalter ist für seine Grausamkeit bekannt, öffentliche Hinrichtungen standen an der Tagesordnung und dienten zur Belustigung des englischen Volkes. Titus Andronicus reiht sich perfekt in das Denken dieser Zeit ein. Es war zu seiner Erscheinungszeit Ende des 16. Jahrhunderts ein großer Erfolg und etablierte Shakespeare als Autor. Allerdings setzte der Wandel der englischen Gesellschaft der Popularität des Stückes ein frühes Ende, das Titus zu einem selten gespielten Werk machte. Erst in den letzten Jahren erfreute sich das Stück wieder wachsender Beliebtheit.


Die Gründe sind vielfältig: Einerseits bietet das Stück ein ideales Schlachtfeld für bizarre Auswüchse tobsüchtiger Regisseure und Darsteller, andererseits konfrontiert es mit den Haltungen in der heutigen Gesellschaft zu politischen Imperien und den bestehenden Ressentiments.


Man muss Titus Andronicus nicht nur als klassische Rachetragödie sehen, vielmehr geht es darum, die äußersten Mittel zu finden, sein eigenes Leid zu lindern – was schlussendlich in euphorischem Nihilismus seinen Ausdruck findet.


Die Inszenierung erzählt vom leichtfertigen Wählen einer Seite, dem Fehlen von differenzierten Sichtweisen und einem unbedingten Zwang zur gemeinschaftlichen Identität, selbst wenn sie auf Kosten der persönlichen Werte geht.

Narr Lena Wiesbauer — Titus Kostas Papageorgiou — Lavinia Sophie Zwölfer — Marcus Marius Hrdy — Saturnin Adnan Taha — Lucius Veit Messerschmidt — Tamora Charlotte Schütz-Peréz — Demetrius Georg Blume — Chiron Philipp Blume — Aaron Peter Mwangi — Bassianus Philipp Karajev — Amme Martina Kiseloski — Mutius Kai Krösche — Martius Kolja Burgschuld — Publius Korbinian Gleixner — Alarbus Piotr Szkvarek

Regie Sandra Keplinger — Produktion Miriam Kunodi, Jana Havlik — Betreuung Robert Koukal — Bühnenbild Matthias Krische — Bühnenbildassistenz Kristof Kepler — Kostüm Christiane Huber — Kostümassistenz Martina Kiseloski — Musikkomposition Martin Kröß, Georg Blume, Christian Url — Videoprojektionen Marcus Saravia, Markus Osanger — Licht Florian Geschl, Georg Kessler — Regieassistenz Antje Lomer — Grafik Oliver Brodt, Alina Dmitrieva — Schauspielbetreuung Martina Kiseloski — Ton Martin Kröß, Christian Url — Maske und Frisuren Brigitte Schima — Ausstellung Sandra Keplinger — Idee Sandra Keplinger

Egal. Liebe... ist vor allem ein Wort.
Was ist, wenn jemand kommt
und dem Wort eine neue Bedeutung gibt?
Was, wenn Liebe in Wirklichkeit Ausrede heißt,
immer schon geheißen hat,
weil Kay Parker von jetzt an die Definitionen vorgibt?

KAY PARKER ist ein dissonantes Liebeslied, das erzählt, was nach dem Happy End kommt. An welchem Punkt wird Zuneigung pathologisch, verdrängt das "Wir" das "Ich" in einer Weise, die an Selbstverlust grenzt? All you need is love – bis die Schmerzgrenze erreicht ist...

Wer ist KAY PARKER?

Die Schwestern Simone, Anna und Ines haben sehr unterschiedliche Arten, mit Beziehungen umzugehen.
Simone ist seit zwölf Jahren mit Michael verheiratet und hat ihm zuliebe ihre Ausbildung abgebrochen. Auch Anna konzentriert sich seit der Geburt ihrer kleinen Tochter auf Mann, Kind und Haushalt – eine Lebensweise, mit der Ines nicht das Geringste anfangen kann. Um ihre Eigenständigkeit nicht aufzugeben, lehnt sie Nähe von vornherein ab.
Als Simones Ehe in eine Krise schlittert, sind die Dinge plötzlich nicht mehr so einfach. Was hat sie falsch gemacht?

KAY PARKER tritt aus dem Nichts in Simones Realität und macht jeden Versuch, die angeschlagene Ehe zu retten, zunichte. Kay Parker ist der Grund, warum Simone auf einmal jegliche Kontrolle entgleitet. Kay Parker stellt Simones Lebensentwurf nachhaltig in Frage.

KAY PARKER ergreift Partei – für das "Ich", wider ein unbedingtes "Wir" – gegen selbst gemachte Ausreden, die, so verlockend sie auch klingen, auf den Verlust der eigenen Entscheidungsfähigkeit hinauslaufen.

Simone Barbara Ottinger — Anna Elisabeth Colditz — Ines Marion Guerrero — Michael Michael Blihall — Matthias Andreas Tolpeit — Jan Korbinian Gleixner — Robert König Peter Richter — Standesbeamter Philipp Stelzel

Regie Robert Koukal — Bühne Iwona Lapo — Kostüme Tina Hildenbrandt — Licht Robby Vamos — Ton Clemens Wannemacher — Maske Brigitte Schima — Regieassistenz Suna Börsch — Beleuchtung Heike Wiesner — Produktionsleitung Marie North — Produktionsassistenz Manu Leis — Sponsoring, Pressearbeit Barbara Nesslinger — Produktionsbetreuung / STUTHE Agnes Wiesbauer — Dramaturgie Martin Thomas Pesl — Dramaturgieassistenz Reinhard Bachmaier — Grafik Erich C. Schlager — Idee Marion Guerrero

"Ich bin es: Das Gebäude mit der goldenen Lorbeerkuppel, von den Wienern Krauthappeln getauft, aber eigentlich ist mein Name Secession.". Der Pinsel war für ein paar Sekunden ganz benommen stehen geblieben. "Was ist los mit dir, Pinsel? Träumst du?" "Ich weiß nicht genau. Ich glaube, da spricht wirklich die Secession mit mir." Paula kicherte. "Du bist einfach phantastisch, Pinsel. Komm, wir gehen." Paula marschierte ein paar Schritte weiter, doch plötzlich kam sie zurückgelaufen. "Woher weißt du überhaupt, dass dieses Bauwerk Secession heißt?"

Diese Frage ist der Beginn einer aufregenden Entdeckungsjagd, in der Pinsel nicht nur Paula, sondern auch das Publikum in die Welt einiger bekannter Wiener Gebäude und deren Hintergrundgeschichte entführen wird. Ein interaktiver Spaziergang durch Wien, für die Bühne bearbeitet von der STUTHE.

Pinsel Helge Salnikau — Paula Katharina Swoboda — Kunsthalle Adnan Taha — Secession Marie Breitfuss — Mumok Georg Blume — Leopold Karim Rahoma — Kunsthistorisches Museum Katharina Moser — Naturhistorisches Museum Georg Kessler — Stephansdom Georg Blume, Kostas Papageorgiou — Karl-Marx-Hof Jürgen Knittl, Veit Messerschmidt, Lena Wiesbauer — Cooler Bub Philipp Karajev — Kreischende Frau Erika Büttner

Regie Kostas Papageorgiou — Textbearbeitung Cornelia Girardi, Sigrid Dworak, Lena Wiesbauer — Bühne Richard Schaffranek — Kostüme Anna-Lena Bankel — Maske Carola Zwatz, Katharina Sophie Liebherr — Musik Georg Blume — Regieassistenz Erika Büttner — Film Kai Krösche — Produktion Pia Clodi — STUTHE-Betreuer Severin Dostal — Idee Pia Clodi

Die Buchausgabe kann man bei Amazon.de bestellen.

Eintritt frei bei der
Podiumsdiskussion Von Lego bis Loos
im Anschluss an die Vorstellung am 16. Juni (18 Uhr)

www.pinselundpaula.at

Im Rahmen der Konzerthaus-Schiene spiel:platz versucht sich die STUTHE ein zweites Mal am Improvisieren.

„Sehr verehrtes Publikum!
Sie werden heute etwas wagen, wozu sie sich hoffentlich noch nie durchgerungen haben, es aber vielleicht schon immer tun wollten.
Jetzt ist die Gelegenheit dazu und wir übernehmen die Verantwortung.“

Mit diesen, schon vertrauten Worten, leitet der Moderator den Improvisationsabend ein.
Die STUTHE begibt sich auf eine Schiffsreise. Die Bühne wird zu einem sinkenden Schiff. Das fordert Opfer.
Sie, verehrtes Publikum, sind heute nicht hier, um die Wogen zu glätten, sondern um mit den Elementen zu spielen. Mischen sie die unendlichen Weiten der See auf und es werden sich Abgründe auftun, die die Reisenden sehr tief sinken lassen werden
Wer hat den längsten Atem, um diesen Abend als einziger zu überleben?
Das zeigen Sie uns!
Schiff ahoi

Der Beitrag der STUTHE zur Konzerthaus-Schiene spiel:platz startet als theatermordende Improvisationslesung. Wir zeigen eine Lesung, die nicht funktioniert, weil ihre Darsteller im Verlauf des Abends unter Beihilfe des Publikums "ermordet" werden...

Es wird heiß und kaltblütig zugehen und was genau passieren wird, können wir alleine noch nicht sagen: Dazu brauchen wir euch, das Publikum!

"Sehr verehrtes Publikum!
Sie werden heute Abend etwas wagen, wozu sie sich hoffentlich noch nie durchgerungen haben, es aber vielleicht doch schon immer tun wollten
Jetzt ist die Gelegenheit dazu und die Verantwortung übernehmen wir."

Mit diesen Worten leitet der Moderator den Theatermord ein.
Der Theatermord ist eine Mischung aus Lesung und Improvisation.
Wir zeigen eine Lesung, die nicht funktioniert, weil sich unter ihren Darstellern ein Mörder verbirgt. Das Publikum bestimmt sein nächstes Opfer. Daher wissen auch die Darsteller nicht, wer als nächster von ihnen sterben muß. Hier setzt die Improvisation ein und die Truppe wird im Verlauf des Abends immer kleiner... bis am Ende nur einer übrig bleibt.

Anfänglich als Lesung begonnen, steigert sich die Improvisationslesung so zur reinen Improvisation. Den Höhepunkt wird der Geständnismonolog des Mörders bilden, der als einziger diese Lesung überlebt hat.

"Ich hebe die Flasche, vom Original kaum zu unterscheiden; setze sie an und — und werfe sie mit Abscheu, mit Abscheu trotzdem sie leer ist und nur noch der Geruch sie füllt, werfe sie mit Abscheu auf den Boden. Zur Trauer meines Lehrers, zur größeren Trauer meiner selbst."

Menschsein heißt Kultur: Denken, Normen, Zivilisation — im engsten und im weitesten Sinne. Demgegenüber steht das Tier — frei, aber und weil unwissend, unfähig, zu reflektieren oder zu zweifeln. Die Entwicklung vom Tier zum Menschen ist möglich, aber eine Einbahnstraße; jedes Wissen ist sowohl Fortschritt als auch Rückschritt — es kann einen Ausweg bedeuten, aber auch einen Fluch. Für Rotpeter ist es beides und dadurch keines zugleich.

"Rotpeter" spricht von seiner Entwicklung vom freien Affen zum scheinbar zivilisierten Menschen: Von einer Jagdexpedition an der Goldküste eingefangen und an Bord eines Schiffes in einen winzigen Käfig gesteckt, sieht er keinen anderen Ausweg, als sich selbst zum Menschen zu dressieren, stets im Glauben, die einst genossene absolute Freiheit nicht mehr zurückerlangen zu können. Zum Zeitpunkt seines Berichts ist seine Entwicklung bereits so weit fortgeschritten, daß eine Rückkehr zu seinem Ursprung nicht mehr möglich ist - wer einmal vom Baum der Erkenntnis ißt, dem wird die Rückkehr ins Paradies verwehrt. Rotpeter wird zur tragischen Figur, die einst in der absoluten Freiheit lebte, diese durch Menschenhand verlor und dem sein Wissen und seine Erkenntnis es nun unmöglich machen, sich auch nur der Illusion einer solchen Freiheit hinzugeben.

Rotpeter Claudius von Stolzmann

Regie, Bühne, Ton, Licht und Produktion Kai Krösche, Kolja Burgschuld — Grafik Christoph Lepka — Maske Henriette Zwölfer — Produktionsassistenz Astrid-Marie Reinprecht — Produktionsbetreuung/STUTHE Martin Thomas Pesl — Idee Kai Krösche, Kolja Burgschuld

 mit Texten von Katharina Tiwald und Martin Thomas

Im Rahmen dieser Weihnachtslesung wurden zwei zeitgenössische weihnachtliche Texte erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt: Ein Weihnachtsspiel aus dem Jahr 2004 von Katharina Tiwald und Das Weihnachtswunder des Georges DuFêcque (1999) von Martin Thomas. Autorin und Autor waren anwesend.

von Sergi Belbel

Eines der weniger bekannten Stücke des katalanischen Autors wurde in einer Lesung der STUTHE dem Publikum präsentiert.

Trailer: klein (6,2 MB) | groß (8,4 MB)

"Um 4 Uhr 48
wenn die Klarheit vorbeischaut
für eine Stunde und zwölf Minuten
bin ich ganz bei Vernunft"

Zu Motiv und Motivation:

Psychopathologische Störungen (Essstörungen, Selbstverletzungen, Suchtverhalten usw.), Neurosen, Selbstmordgedanken und ausgeführter Suizid sind Phänomene, die mehr und mehr um sich greifen. Nach wie vor werden diese Probleme an den Rand des gesellschaftlichen Bewusstseins gedrängt, obwohl sie eine Dimension erreicht haben, die eine genaue und intensive Auseinandersetzung mit ihnen verlangen würde.
Mit "4.48 Psychose" von Sarah Kane wollen wir die Verfasstheit einer Welt zeigen, der Orientierungshilfen wie Moral und Religion verloren gegangen sind. Von jedem Individuum wird verlangt, das es sich Identität selbst stiftet. In einer Zeit, die Selbstverantwortlichkeit über alles stellt, ist die Gefahr groß, Menschen in ihrem Scheitern allein zu lassen.

Mit der Arbeit an ihrem letzten Stück, das posthum erschienen ist, möchten wir dem Glauben an ein unausrottbares Refugium der Hoffnung Ausdruck verleihen - das der Liebe. Denn der mit einem anderen geteilte Moment, die gemeinsame Erfahrung mit dem menschlichen Gegenüber sind das, was uns nachhaltig am Leben hält.

Zu Sarah Kane (1971-1999):

Zu den Themen des Textes:

Zur Bearbeitung:

Sarah Kanes letzter Text "4.48 Psychose" bildet die Quintessenz aus ihren vorangegangenen Werken, ein Stück im Balanceakt zwischen manischer Depressivität und Lebensbejahung. Es spiegelt Einsamkeit wider, die Unmöglichkeit der Kommunikation. Dennoch scheint Sarah Kane ihrem Rezipienten ein "Weiterleben" mit auf den Weg geben zu wollen. Hier wird eine eindeutige Trennung zwischen Autorenbiographie - der Suizid Kanes - und der Aussage ihres Textes erforderlich. Eine Eins-Zu-Eins-Übernahme scheint zunächst auf der Hand zu liegen, darf aber genau so nicht vollzogen werden.
"4.48 Psychose" bildet Strukturlinien auf verschiedenen Ebenen - von den Kriegen der Menschheit zum Krieg in der Familie, dem zwischen Paaren, dem von Individuen und schlussendlich dem innerhalb des eigenen Bewusstseins. Aus der formal komplexen Komposition von Fragmenten im Ursprungstext haben wir drei Figuren gemäß einer handlungsähnlichen Dramaturgie destilliert: Er, die IrrSinnige und die IrrSinnige. Das Wortspiel beinhaltet den Kern unserer Fragestellung: In einer postmodernen Welt ist es nur mehr der Liebe und Sinnlichkeit möglich, Sinn zu konstituieren.
Ihn und die IrrSinnige verbindet ein Arzt-Patienten-Verhältnis, die IrrSinnige und Ihn eine Liebesbeziehung. Die beiden Frauenfiguren sind verbunden über ihr Gefühl, außerhalb eines gesellschaftlichen Gefüges zu stehen. Er nimmt den Vernunftpol in diesem Geflecht ein, die IrrSinnige den der Irrationalität, den des Wahns. Die IrrSinnige fungiert als Identifikationsfigur, auch für den Zuschauer. Sie vermittelt zwischen dem Gefühl, an der Welt krank werden zu müssen und dem Appell, weiterzumachen.

Ein Mensch im Heute hat so gut wie alle Möglichkeiten - und genau das macht ihn krank, beziehungsweise kann zu absoluter Stagnation ob der Fülle von Chancen führen. Formaler Ausdruck dieser Problematik im Text ist das Verschleifen von Bedeutung, das Stocken und Den-Gedanken-Verändert-Wiederaufnehmen. Die Sprache versiegt in einer besonderen Art von Bedeutungslosigkeit.

Er Martin Thomas Pesl — IrrSinnige Sophie Prusa — IrrSinnige Sophie Zwölfer

Regie Carina Riedl — Bühne Maria Pavlova — Kostüme Dagmar Bald — Mussikkomposition- und arrangement artElect — Licht Robert Hirner — Dramaturgie Hannah Lioba Egenolf — Promotiondesign, Fotos und Trailer Sandra Keplinger — Produktionsleitung Agnes Wiesbauer — Technische Leitung Apostolos Nikolopoulus — Ton Arthur Fussy — Beleuchtung Florian Geschl — Maske Carola Zwatz, Katharina Sophie Liebherr — Produktionsbetreuung Stephan Werner — Züge Florian Scheimpflug — Bühnenarbeit Kolja Burgschuld, Korbinian Gleixner, Sandra Keplinger, Georg Kessler, Kai Krösche, Manu Leis, Antje Lomer, Stephan Werner, Lena Wiesbauer — Idee Carina Riedl

Sarah Kane liefert einen Ausweg aus diesem abgeschotteten Monadendasein, aus der Entfremdung gegenüber der Außenwelt: Die Liebe wird der letzte Hoffnungsschimmer sein - selbst dann noch, wenn er nur noch Erinnerung ist: denn die Kraft und das Vermögen des Erinnerns ist und bleibt existentiell und lebensbejahend.
Die Inszenierung versucht ein Beitrag zu sein, um das Noch-Nicht-Abgestumpfte im Selbst zu entdecken.

"Die Welt in ihrer jetzigen Gestalt ist nicht zu ertragen. Darum habe ich den Mond nötig oder das Glück oder die Unsterblichkeit, etwas, das vielleicht unsinnig ist, aber nicht von dieser Welt."

Es ist nicht möglich, alles zu vernichten, ohne sich selbst mitzuzerstören.
A. Camus

Caligula hat alle Möglichkeiten. Glücklich verliebt in seine Schwester genießt er alle erdenklichen Freuden seiner Jugend. Erst ihr plötzlicher Tod macht ihm schlagartig eine Ordnung bewusst, der alle Menschen unterworfen sind. Caligula jedoch will diese nicht akzeptieren und setzt seine absolute Macht als Herrscher eines Imperiums dazu ein, um alle Säulen dieser Ordnung einzureißen. Seine unerbittliche Konsequenz nimmt keine Rücksicht auf menschliche Werte wie Freundschaft, Sicherheit und schon gar nicht Liebe. Er zwingt sein Umfeld sogar dazu, alle Freuden und Bequemlichkeiten selbst zu zerstören, um unbegrenzte Freiheit zu erlangen.

[Caligula Website]

"Ich will Nacktfotos von Brad Pitt sehen!"
"Ich will Mausi Lugner im Bett mit Franz Fuchs sehen!"
"Sex. Mord. Verstümmelung. Das natürliche Interesse der Menschen an Rührgeschichten über Kätzchen.
MTV Celebrity Death Match mit Little DJ Ötzi."
"UNTERHALTET UNS ! ! !"


Drei geheimnisvolle Stimmen, die unterm Dach wohnen und die Bewohner eines Ferienhauses mit unbezähmbarer Sensationsgier in Trab halten, kommentieren sämtliche Ereignisse der absurden Satire “Bettys Sommerfrische“ mit TV-geschulter Liebe zum makabren Detail. Spektakuläre Gerichtsprozesse, schaurige Nachrichten über Folter und Missbrauch sowie das Neuste aus der Welt der Reichen und Schönen – entscheidend ist der Entertainment-Wert! "Bettys Sommerfrische" des amerikanischen Autors Christopher Durang kritisiert den unhinterfragten Medienkonsum auf atemlos-lebendige, chaotische Weise. Mit intelligentem Wortwitz, schwarzer Situationskomik und schonungsloser Provokation wird eine Gesellschaft karikiert, in der von den Medien vor allem eines erwartet wird: Unterhaltung.

Christopher Durang wurde am 2. Januar 1949 in Montclair, New Jersey, USA geboren. Er absolvierte Studien am Harvard College und auf der Yale School of Drama und arbeitete als Schauspieler, Regisseur und Drehbuch- sowie Theaterautor. Einige seiner Stücke schafften es bis auf den Broadway; außerdem erhielt er zahlreiche Nominationen und Preise, unter anderem eine “Drama Desk nomination“ für “Bettys Sommerfrische“. Christopher Durang ist vor allem im englischsprachigen Raum für seine satirische Beobachtungsgabe und seinen beißenden schwarzen Humor bekannt. In seinen Stücken führt er die Stereotypen und Plattitüden und einer Gesellschaft, die von Fernsehen, Popkultur und Konsumverhalten geprägt ist, ad absurdum.

Wien, am Abend des 22. April 1938. Österreich wurde bereits von den Nazis annektiert. Wir befinden uns im Arbeitszimmer des berühmten Dr. Sigmund Freud. Er führt ein Gespräch mit seiner Tochter Anna, dem einzigen von seinen Kindern, das sich beruflich für die Psychoanalyse entschieden hat. Sie meint, er solle das Papier unterschreiben, dass ihm das Exil erlaubt. Doch Freud weigert sich.

Team

Sigmund Freud Kostas Papageorgiou — Der Unbekannte Georg Hufgard — Anna Freud Lena Wiesbauer — Der Nazi Stephan Werner — Stiefeltreter Harald von Beringe, Jens Kager

Regie François Lang, Charlotte Petit

"'Tis a vile thing to die, my gracious lord,
When men are unprepar'd and look not for it."

Die Saga des buckligen, wahnsinnigen Usurpators als Metapher für die Dunkelheit in jedem von uns: Die STUTHE will diesen Klassiker von William Shakespeare in reiner Frauenbesetzung in englischer Originalversion aufführen, und König Richard nicht als das hässliche, bucklige Monster darstellen, sondern als einen gepeinigten, verzweifelten Charakter, der auf Grund der Kränkungen, die ihm wiederfahren sind, keinen anderen Ausdruck seiner Verzweiflung sieht, als die Flucht nach vorn zu wählen. Auf Grund seiner Position kann ihn niemand aufhalten, niemand außer er sich selbst.
Wenn man alles verloren hat, kann man nichts mehr verlieren.

Wer mit Ungeheuern kämpft, sollte Acht geben, nicht selbst zum Ungeheuer zu werden.

"Ich versichere Sie, Genia, nicht das
geringste hätt ich einzuwenden gegen
eine Welt, in der die Liebe wirklich nichts
andres wäre als ein köstliches Spiel ...
Aber dann ... dann ehrlich, bitte! Ehrlich bis
zur Orgie ... Das ließ ich gelten."




"Kein Gespenst überfällt uns in vielfältigeren Verkleidungen als die Einsamkeit, und eine ihrer undurchschaubarsten Masken heißt Liebe." (Arthur Schnitzler)

Arthur Schnitzlers Spätwerk "Das weite Land", vom Autor selbst als Tragikomödie bezeichnet, behandelt Liebe, Eifersucht, und Rache unter dem Mantel der Gleichgültigkeit und des Überdrusses.

Zwischenmenschliche Beziehungen als Spiel,
müdegewordene Liebe als Alibi,
Sex als Provokation.

"Nun sind wir alt geworden, beide,
du verkommen und ich von den Messern
der Chirurgen zerfleischt, und jetzt will ich,
dass wir abrechnen, beide: Du hast dein
Leben gewählt und mich in das
meine gezwungen. Du wolltest, dass die
Zeit aufgehoben würde, eben, im Wald
unserer Jugend, voll von Vergänglichkeit.
Nun habe ich sie aufgehoben, und nun will
ich Gerechtigkeit, Gerechtigkeit für
eine Milliarde."

Der Bürgermeister: "Ich lehne im Namen der Stadt Güllen das Angebot ab. Im Namen der Menschlichkeit. Lieber bleiben wir arm denn blutbefleckt."
Claire Zachanassian: "Ich warte."

Güllen. Eine Kleinstadt, verarmt, heruntergekommen, verwahrlost.
Eine letzte Hoffnung! Claire Zachanassian kommt zurück in diese Stadt, die Stadt Ihrer Jugend. Sie kommt als Milliardärin, und die Stadt ist gewillt alles zu unternehmen, um Spenden aus ihr herauszuholen.. Doch als sie sich tatsächlich bereit erklärt, eine Milliarde zu spenden, entpuppt sich die eine Bedingung, die Claire Zachanassian stellt, als inakzeptabel: Sie fordert die Gerechtigkeit.
Dadurch spricht sie ein Todesurteil aus, stiftet die Stadt durch Bestechung zum Mord an. Ill, einer der ersten Bürger der Stadt, soll gerichtet werden, weil er vor Jahrzehnten leugnete, der Vater von Claires Kind zu sein, sie zur Flucht aus der Stadt verdammte und so ihre Karriere durch die Bordelle Hamburgs bis zur Milliardärin begründete. Das alte Unrecht und das Claire dadurch entstandene Leid sollen nun für eine Milliarde wieder gutgemacht werden.
Obwohl der Bürgermeister das Angebot feierlich ablehnt, so weiß die alte Dame doch ganz genau, dass der Klang von einer Milliarde die ganze Stadt wie ein Ohrwurm verfolgt. Sie kann beruhigt warten und zusehen, wie die Bürger sich an den Bestechungsgeldern bereichern, obwohl das Todesurteil noch nicht vollstreckt wurde.

Das Stück behandelt Charakterzüge, die wir alle in uns tragen: Rachsucht, Gier, Egoismus. Claire kauft aus Rachsucht die ganze Stadt auf, lässt sie verarmen, um zu einem späteren Zeitpunkt den Mord im Austausch gegen Reichtum und Glück einzufordern. Die Güllener vertrauen darauf, dass irgendjemand den "Schuldigen" richten wird, ganz nach dem Motto "Irgendwie wird's schon gehen" und leben den Reichtum, bevor sie den Mord begehen. Dadurch zeigt sich ganz deutlich, wie verfallen die Moral des Ortes durch die Gier nach Reichtum und die jahrelange Armut ist. Noch heute sind überall auf der Welt Menschen für den Transfer in ein reiches Land wie die USA oder Europa bereit, sehr, sehr weit zu gehen. Ill schließlich ist auch nicht unschuldig, da er aus Egoismus sein Kind verleugnete und Claire zu einem Leben als Prostituierte verdammte. Viele Schuldige und wenig wirkliche Gerechtigkeit zeichnen dieses Stück aus, wie unser Leben.

Team

Claire Zachanassian, geb. Wäscher Esthermaria Butz - Gatte VII Harald v. Beringe - Gatte VIII Harald von B. - Gatte IX H. von Beringe - Der Butler Martin Peter Goldinger - Gefolge Martin Marenich / Florian Geschl, Roland Rodinger, Leopold Rotter - Ill Korbinian Gleixner - Seine Frau Nathalie Russegger - Seine Tochter Stefanie Kucsko - Sein Sohn Nikolaus Rössner - Der Bürgermeister Jan Ledóchowski - Der Pfarrer Wolfgang Cerny - Der Lehrer Robert Koukal - Die Ärztin Maica Wurmböck - Der Polizist Michael Lorenz - Die Erste Mesi Richter - Der Zweite Kostas Papageorgiou - Die Dritte Marietta Steinhart - Der Vierte Jakob Scholz - Der Maler Jacob Chavanne - Eisenbahner Georg Kucsko - Pfändungsbeamter Alexander Belcredi - Radioreporter Georg Hufgard - Kameramann Stephan Pirkl / René Salim

Bearbeitung und Regie Alexander Belcredi - Bühnenbild Paul Mayr - Bühnenbau Reinhard Haym, Herbert Czermak - Kostüme und Maske Margherita Belcredi - Lichtregie Stephan Pirkl - Beleuchtung Stephan Pirkl, René Salim - Ton Georg Hufgard - Grafikdesign Konrad L. Zirm - Programmheft Lumia Töpfer - Koordination Martin Thomas Pesl

Eugène Ionesco, (1912-1994), französischer Schriftsteller rumänischer Herkunft, gehört neben Samuel Beckett und Harold Pinter zu den wichtigsten Vertretern des absurden Theaters. Sein erstes Stück, "Die kahle Sängerin" (La cantatrice chauve) wurde in Paris am 11.05.1950 (Théâtre des Noctambules) uraufgeführt, die deutschsprachige Erstaufführung fand im Kleintheater in Bern am 21.06.1956 statt.

Die Handlung besteht eigentlich nur darin, daß die Martins aus Manchester die Smiths in der Nähe von London besuchen und gleichzeitig ein Feuerwehrhauptmann vorbeikommt. Es gibt keine "Intrige", keine psychologischen Entwicklungen, keine Motive und auch kein "sinnvolles" Ende der Handlung. Ionesco schrieb die Sängerin bewusst als "Anti-Stück" zur populären Salon-Komödie.

Die Personen sind Gefangene ihrer klischeehaften Denkfiguren. Sie kommunizieren mit leeren Worthülsen und sinnlosen Sprichwörtern. Ionesco macht uns die Absurdität gesellschaftlichen Lebens bewusst und lässt sie uns mit Gelächter überwinden. Das Stück spiegelt die Kommunikationsstörungen und das mangelnde Verständnis für unsere Mitmenschen in der heutigen Gesellschaft wider.

"Die Begrüßungen" (Les salutions) sind ein rasanter Einstieg, sowohl in die jeweilige Aufführung, wie auch in die Welt von Ionesco. Auch hier geht es um alltägliche Kommunikation, deren Absurdität durch Satire offenbar wird.

Für die Schauspieler ist diese Art des Theaters eine besondere Herausforderung, da man mehr Freiraum als sonst für das Ausprobieren neuer Wege hat, diese dafür umso mehr Konzentration aller Beteiligten fordern.

Team

1. Herr Georg Blume - 2. Herr Stephan Werner - 3. Herr Francois Lang

Mr Smith Stephan Werner - Mrs Smith Marlene Weseslindtner - Mr Martin Georg Blume - Mrs Martin Lena Wiesbauer - Mary Franziska Schmidt-Dengler - Feuerwehrhauptmann François Lang

Regie & Bühne Robert Koukal - Licht Stephan Pirkl, René Salim - Musik artElect - Mitarbeit Sophie Prusa

In Koproduktion mit der Opernklasse
der Universität für Musik und Darstellende
Kunst Wien

Die Liebe zweier Menschen, die auf Grund der Außenwelt nie erblühen wird und von Anfang an nur ein Ziel, einen Ausweg kennt: den Tod. "I Capuleti e i Montecchi" (Capulets und Montagues) erzählt die berühmte Geschichte von Romeo und Julia in einer der bekanntesten, aber wenig gespielten Vertonungen. Anders als in Shakespeares Drama steht in der Oper Bellinis der Krieg, die Massenverblendung, das, was der Krieg aus den Menschen macht, im Vordergrund. Hier lernen sich Romeo und Giulietta lieben. Und so bildet ihre Liebe in der finsteren Leere des Krieges den einzigen Lichtstrahl, der bis in den Tod hinein leuchtet.

Team

Romeo Vivien Cooksley / Sanja Anastasijevic - Giulietta Kristiane Kaiser - Tebaldo Riccardo Shim / Kisun Kim - Capellio Jong Soo Ko - Lorenzo Lukas Kargl

Inszenierung Magdalena Fuchsberger - Musikalische Leitung Massimo Parise - Bühnenbild Philippe Batka - Licht Gerhard Fischer - Maske Martina Brandtner - Inspizient Sandro Santander - Regisassistent Geon

"Ich kann nur sagen, dass es nicht
meine Schuld ist, einmal abgesehen
davon, dass sein Benehmen (was man
leider nicht verschweigen kann) mehr und
mehr (sagen wir es offen) etwas
Jüdisches hatte."



Der junge Andri lebt im Kleinstaat Andorra unter der Obhut seines vermeintlichen Ziehvaters, des Lehrers Can. Er selbst und die anderen Einwohner glauben zu wissen, dass Andri ein Waisenkind jüdischer Eltern ist, das Can während eines Krieges gegen die Schwarzen, eine ominöse feindliche Macht, gerettet hat. Andri sieht sich auf Grund seiner jüdischen Herkunft vielerorts mit Vorurteilen konfrontiert. Diese brodeln scheinbar harmlos unter der Oberfläche, bis Andri, in Zeiten eines neuerlich bevorstehenden „schwarzen“ Angriffes, den Wunsch äußert, Barblin zu heiraten, Cans hübsche Tochter. Der Lehrer verbietet die Hochzeit und gerät in Erklärungsnotstand; denn nur aus Feigheit hat er damals seinen leiblichen Sohn als Judenkind ausgegeben.

Und dann beginnt der „Krieg“...

Team

Andri Michael Lorenz - Barblin Sandra Keplinger - Der Lehrer Harald Hohenecker - Die Mutter Steffi Bärmann - Die Señora Anna Schweiger - Der Pater Niki Griller - Der Soldat Korbinian Gleixner - Der Wirt Sasa Miletic - Der Tischler Michael Pichlmair - Der Doktor Sebastian Tatzreiter - Der Geselle Benni Hufgard - Der Jemand Martin Thomas Pesl - Ein Idiot Manuel Singer

Bearbeitung und Regie Robert Koukal - Bühnenbild Paul Mayr - Kostüme Lena Sophie Kaltenegger - Maske Martina Brandtner, Martina Nöhrer - Videoprojekt Volker Tenta - Infoscreen Sasa Miletic, Volker Tenta - Technik Florian Geschl - Organisation Martin Thomas Pesl

"Außerdem wünsche ich sofort eine
Flasche Rotwein, und zwar: Chambertin, Neunzehnhunderteinundzwanziger, nicht
von Rouvier, sondern von Rambod ...
verstehen Sie? ... Firma Rambod!
Ich buchstabiere: R wie Rotschild, A wie Astor,
M wie Mendelsohn, B wie Bleichröder, O
wie Oppenheim und D wie Dreyfus et
Compagnie. Also Rambod neunzehnhundert-
einundzwanziger, nicht kalt, sondern lauwarm, nicht stehend, sondern liegend, in einem Korb, damit der Satz nicht aufgerührt wird. Und nur ein Glas dazu. Sofort."

Selten trafen Inhalt und Entstehungsweise einer Produktion so frappierend zusammen: Bankenpräsident Norrison muss innerhalb von sechzig Minuten aus einem widerwilligen Taxifahrer den idealen Schwiegersohn machen. Die Stuthe muss innerhalb von zwei Monaten ein Stück mit zwanzig Darstellern aus dem Boden stampfen.

Beides muss eins, zwei, drei gehen, blitzschnell, mit einem vielfachen Aufwand an Konzentration, Effizienz, Wagemut und Präzision. Die Uhr tickt, die Zeit läuft davon, und jedes Überflßssige Wort nimmt eine Sekunde zu viel in Anspruch. Entspannung und Aufatmen werden auf nachher verschoben – JETZT wird wieder in die Hände gespuckt!

Wird es gelingen? Spannung ist angesagt, bei Cast, Crew und Publikum gleichermaßen.

Team

Norrison Martin Thomas Pesl - Graef, Sekretär Philipp Pirkl - Diener Nicola Ondracek - Anton Michael Lorenz - Lydia Mesi Richter - Fräulein Kuno Sophie Prusa - Fräulein Brasch Sandra Keplinger - Fräulein Posner Lena Sophie Kaltenegger - Fräulein Petrowitsch Stefanie Kucsko - Fräulein Lind Anna Chmura - Justizrat Dr. Pinsky Georg Kucsko - Graf Dubois Schottenburg Viktor Straub - Verkäufer von Michael Harald von Beringe - Friseuse Margherita Belcredi - Herr Osso Nicola Ondracek - Herr Ciring Stephan Pirkl - Herr Dr. Wolff Sebastian Tatzreiter - Primarius Dr. Leo Faber Harald von Beringe - Schmidt, Zuschneider von Old England Benni Hufgard - Generaldirektor Felix Korbinian Gleixner - Armand Colleon, Agent Sebastian Tatzreiter - Dr. Kristian, Pressechef Niki Griller - Mme. Ferdinand, Hotelmanagerin Johanna Kugler

Regie Sophie Zwölfer - Idee Martin Thomas Pesl - Bühnenbild und technische Koordination Florian Geschl - Maske Henriette Zwölfer- Ton Agnes Zwölfer - Grafik Manuel Berner, Sandra Keplinger - Organisation Florian Geschl, Martin Thomas Pesl, Sophie Zwölfer

17 scenarios for the theatre

Are these attempts to describe Anne?
Attempts to kill her?
Or Anne's attempts to kill herself?
Is Anne a terrorist, a mother of four,
or a brand of car?

Team

the voice of Natalie Franz - Alexandra Frech - Barbara Jansenberger - Agnes Kitzler - Ursula Kluwick - Regina Kohl - Volker Tenta - Stuart Tomlinson

Dramaturgie Barbara Jansenberger, Agnes Kitzler, Regina Kohl, Markus Rheindorf, Volker Tenta, Stuart Tomlinson - Regie Markus Rheindorf - Bühnenbild Susanna Jaegli

"So lebt sich, bis der Vorhang fällt.
Applaus - versunken ist die Welt."

Im ersten Stück wird eine Episode aus dem leben dreier Jugendlicher gezeigt, die trotz des scheinbar datierten Entstehungsdatums des Stückes an Aktualität nicht verliert: zwei junge Männer, der eine, Richie, ein verwöhnter, arroganter Sohn reicher Eltern, der andere, Leo, ein schüchterner, rücksichtsvoller, naiver Träumer, der an das Gute im Menschen glaubt, Frauen bewundert und für "die tiefe Natur" hält. Aufgrund seiner Zurückhaltung muss er seine Liebe zu Lene, Richies Freundin, im Stillen ausleben. Doch alles kommt anders, als man denkt, und selbst Leos Ansichten über Frauen werden erschüttert.

Das "Traumtheater" erzählt in einer unwirklichen Episode eines Traumes die Beziehung zwischen einem Dichter und einer Schauspielerin, die Gebundenheit und der wilden Freiheit des Theaters zugleich, vereint in einem Stück, einem Traum, und steht für die Essenz des Theaters. Die poetische Sprache des Traumes steht dazu genauso im Kontrast zur Realität, dem Regisseur und dem Dichter. Die Schauspielerin steht als Medium zwischen zwei Welten, die im Zwischenraum dem Theater ein Heim bilden. Untermalt wurden die beiden Stücke durch eigens komponierte Musik von artElect.

Das Hörspiel zum Traumtheater findet ihr entweder auf artElects Website oder [hier] zum Download.

Team

Dichter Stephan Werner - Schauspielerin Marlene Weseslindtner - Regisseur Robert Koukal - Der alte Esel Martin Thomas Pesl - Walter Benni Hufgard - Tänzerin Dorothea von Miller

Richie Stephan Werner - Leo Gabriel Broneder - Lene Marlene Weseslindtner

Regie Robert Koukal - Bühnenbild Conny Kiro Cossa - Musik artElect - Lichtregie Florian Geschl - Maske Anita Zlabinger

"Relations are simply a tedious pack of
people who have not the remotest knowledge
of how to live, nor the smallest instinct
about when to die."


In der Londoner Oberschicht prallen exzessives Vergnügen und strenge Moral aufeinander. Wer reich ist, kann sich zwar allerlei leisten, sieht sich dabei aber von einem umfangreichen Moralkodex beobachtet, einer Reihe von ungeschriebenen Gesetzen, die bestimmen, was man tun sollte und was nicht. Einige beugen sich diesem unsichtbaren Regelwerk, um Mitglieder der society zu bleiben, andere verzichten.

Wer beides will, muss sich etwas einfallen lassen. Der auf dem Land lebende Jack Worthing etwa, dessen Hauptaufgabe darin besteht, sein attraktives Mündel vor hungrigen Männern zu beschützen, erdichtet sich einen kleinen Bruder namens Ernest, dem er eben recht oft zur Hilfe eilen muss, um ein paar Tage in der Stadt verbringen zu können. Sein Freund Algernon, geplagt von einem Drachen von Erbtante, entflieht gerne dem Stadtleben, um einen kranken - und selbstverständlich fiktiven - Freund namens Bunbury zu pflegen. Aus diesem Spielchen hat Algernon eine Wissenschaft gemacht und dieser einen eigenen Namen gegeben: Bunburying, sprich: systematisches Intrigieren und Manipulieren anderer Leute zu eigenen Zwecken. Aber Vorsicht: Es ist nicht alles so böse, wie es klingt. Schließlich ist man reich, und das Leben ist ohnedies nicht ernst zu nehmen. Doch auch die Damenwelt hat ihre ganz speziellen Freizeitbeschäftigungen. Und die drehen sich vor allem ums Heiraten ...

Team

Lane Folkher Gmach - Algernon Moncrieff Martin Thomas Pesl - Jack Worthing Georg Hufgard - Lady Agatha Bracknell Sandra Keplinger - Gwendolen Fairfax Sophie Zwölfer - Cecily Cardew Anna Chmura - Laetitia Prism Sophie Prusa - Reverend Dr. Frederick Chasuble Harald von Beringe - Merriman Niki Griller - Klavier Mario Pillai

Regie Martina Kiseloski - Idee Martina Kiseloski, Martin Thomas Pesl - Lichtregie Florian Geschl - Maske, Frisuren Desiree Losert - Catering Charlotte Pesl - Grafik Nina Eigner - Fotografien Sandra Keplinger, Isabell Schatz - Organisation Astrid Rech - Beleuchtungsassistenz Johannes Bolhar Nordenkampff - Souffleuse Lena Sophie Kaltenegger, Astrid Rech - Empfang Alexander Koukal

"Die Natur selbst fühlt sich geschlagen
von den Wirkungen, die ihnen folgen:
Liebe erkaltet, Freundschaft fällt ab,
Brüder entzweien sich; das Band zwischen
Sohn und Vater zerrissen."

Nirgendwo sonst kann einem Menschen so viel Leid zufügt werden, wie in einem Verband, der Liebe und Vertrauen voraussetzt - die eigene Familie. Die Tragödie von Menschen, die aus Egoismus und Habgier andere zugrunde richten und dadurch eine Welt schaffen, die für alle Elend und Krieg bringt, ist die des König Lear und eines ganzen Volkes. Diese Welt ist im Umbruch, gegenseitiges Vertrauen und der Glaube an das Gute im Menschen sind verloren und es herrscht eine allgemeine Verunsicherung. In einem ungeheuer vielschichtigen und düsteren Drama erzählt William Shakespeare eine Geschichte aus einer mystischen Welt vor unserer Zeit, die leider nie an Aktualität verlieren wird.

In einem langen Prozess haben sich StudentInnen, die durch die STUTHE zusammengeführt wurden mit diesem Stoff auseinandergesetzt und eine Fassung erarbeitet, die wegführt von dem gängigen Blick auf den enttäuschten alten König, der durch seinen Gram den Verstand verliert und versucht weitreichendere Zusammenhänge herzustellen. Der greise Lear, die Traumrolle für gealterte Schauspieler schlechthin, wird durch die Interpretation eines 22-Jährigen von seiner beschränkten Sicht befreit.

Team

König Lear Stephan Werner - Narr Anna Mitterer - Goneril Marlene Weseslindtner - Regan Franziska Schmidt-Dengler - Cordelia Michaela Cholewa - Albanien Wolfgang A. Graf - Cornwall Alexander Medem - Frankreich Christoph Graf - Gloster Korbinian Gleixner - Edmund Lukas Hillebrand - Edgar Georg Blume - Oswald Martin Thomas Pesl - Burgund Georg Hufgard - Arzt Magdalena Fuchsberger - in weiteren Rollen Benni Hufgard, Lena-Sophie Kaltenegger, Lena Wiesbauer

Idee Sylvia Rotter, Marlene Weseslindtner - Regie Sylvia Rotter - Textbearbeitung Markus Rheindorf, Sylvia Rotter, Marlene Weseslindtner - Bühnenbild Conny Kiro Cossa - Kostüme Conny Kiro Cossa, Anna Mitterer - Lichtregie Florian Geschl - Maske, Frisuren Monika Lidl, Julia Polivka - Grafik Korbinian Gleixner - Fotografien Conny Kiro Cossa, Christoph Molin-Pradel - Produktionsleitung Agnes Wiesbauer - Inspizienz Dorina Reichel - Souffleuse Agnes Wiesbauer

"Ich war ein schwarzer Leichnam unter Lebenden,
und diese Stunde bin ich das Feuer und meine
Flamme verbrennt die Finsternis der Welt."

Der Stoff von Hofmannsthals Bearbeitung haucht der Atridensage neues Leben ein: die Gattenmordende Klythaimnestra wird das Opfer der Rache ihrer vor Hass verblendeten Tochter Elektra. Der Abend ist ein Rückblick und eine Erzählung, und doch gleichzeitig die Antike, doch immer aktuelle Katharsis, und führt vor Augen, dass blinde Rache immer nur einen Weg gehen kann: die (Selbst)Zerstörung. Hofmannsthals Version zeichnet sich durch erschreckend moderne Sprache und Bühnenkomposition aus, die dennoch zuvor dramaturgisch bearbeitet wurde.

Team

Elektra Violetta Parisini - Klytämnestra Marlene Weseslindtner - Chrysothemis Nicole Eibler - Ägisth Klaus Sturdik - Orest William Vavken - Die Vertraute Johanna Reinbacher - Die Schleppträgerin Alexandra Frech

Regie Markus Rheindorf - Produktion und Organisation Robert Koukal, Paul Mahringer, Markus Rheindorf, Stephan Werner, Marlene Weseslindtner

"Die Hölle, das sind die anderen."

Drei Personen, die nichts gemeinsam haben, befinden sich nach ihrem Tod in der Hölle. Sie sind für alle Ewigkeit in einem kleinen Zimmer eingesperrt. Diese Situation eröffnet dem Zuschauer den Einblick in Sartres Philosophie der menschlichen Existenz inmitten der Gesellschaft.

Im Verlauf des Stückes entdeckt man drei grundlegende Gedanken: die Abhängigkeit vom Urteil anderer; das Festsitzen in seinem eigenen Schicksal und das Bedürfnis nach Freiheit.

Team

Josef Gracin Volker Tenta - Estelle Rigault Renate Kozik - Ines Serrano Esther Pitsch - Kellner Stephan Werner

Regie Robert Koukal - Regieassistenz Alexander Stanzel - Musik Alexander Stanzel - Licht Florian Geschl - in Zusammenarbeit mit Florian Obkircher

"Sich bedanken.
Sich verabschieden.
Sich fragen, ob das das Geld wert war.
Keine Ahnung.
Man hat ja nichts verstanden."

Im Jänner 2001 führte die STUTHE vier kurze Stücke auf, die alle aus der Feder von Studenten kamen. Die Nachwuchsautoren Markus Rheindorf und Anita Zlabinger wandten sich an die STUTHE, um ihre Werke auf der Bühne zu sehen. Markus Rheindorf adaptierte sein Filmkonzept "Wednesday's Mourning" für die Bühne und erzählte die Geschichte von Anna Blume (eine Gedichtpersona aus Karl Schwitters Gedicht), die bereits in Paul Austers "In the Country of Last Things" wieder auferstand, nochmals in dramatisierter Form. Dazu kam "Lament For The Man Who", in dem Rheindorf Robert Musils "Der Mann ohne Eigenschaften" auf der Bühne darstellte. Weiters die Überarbeitete Form von Beckets "Ohio Impromtu" als "Tarantino Impromtu". Anita Zlabinger präsentierte ihre Gedanken in ihrer Gedichtmontage "Schwerelos".

Team

mit Violetta Parisini, Marlene Weseslindtner, Judith Reitstätter, Nina Eibler, Alexandra Frech, Nina Eiblner, Klaus Sturdik, Anita Zlabinger

Regie Markus Rheindorf, Anita Zlabinger

Im ersten Stück wird eine Episode aus dem Leben dreier Jugendlicher gezeigt, die trotz des scheinbar historischen Kontexts nicht Aktualität verloren hat: Zwei junge Männer, der eine, Richie, ein verwöhnter, arroganter Sohn reicher Eltern, der andere, Leo, ein schüchterner, rücksichtsvoller, naiver Träumer, der an das Gute im Menschen glaubt, Frauen bewundert und für "die tiefe Natur" hält. Aufgrund seiner Zurückhaltung muss er seine Liebe zu Lene, Richies Freundin, im Stillen ausleben. Doch alles kommt anders, als man denkt, und selbst Leos Ansichten über Frauen werden erschüttert.

Das "Traumtheater" erzählt in einer unwirklichen Episode eines Traumes die Beziehung zwischen einem Dichter und einer Schauspielerin, die Gebundenheit und der wilden Freiheit des Theaters zugleich, vereint in einem Stück, einem Traum, und steht für die Essenz des Theaters. Die poetische Sprache des Traumes steht dazu genauso im Kontrast zur Realität, dem Regisseur und dem Dichter. Die Schauspielerin steht als Medium zwischen zwei Welten, die im Zwischenraum dem Theater ein Heim bilden. Untermalt wurden die beiden Stücke durch eigens komponierte Musik von artElect.

Team

Dichter Stephan Werner - Schauspielerin Marlene Weseslindtner - Regisseur Robert Koukal - Der alte Esel Martin Thomas Pesl - Walter Benni Hufgard - Tänzerin Dorothea von Miller

Richie Stephan Werner - Leo Gabriel Broneder - Lene Marlene Weseslindtner

Regie Robert Koukal - Bühnenbild Conny Kiro Cossa - Musik artElect - Lichtregie Florian Geschl - Maske Anita Zlabinger